Marik vos-Lundh
Giuseppina Incorvaia

Giulia Capponi

«She never gives up and I like»

(Non molla mai e mi piace) diceva di lei Ingmar Bergman, concentrando in poche parole la passione, il talento, l’indole creativa e la dedizione all'arte, che resero Marik Vos-Lundh un'artista ineguagliabile, capace di trasformare la realtà in pura magia. Donna indipendente e tenace, seppe lottare per raggiungere i suoi obiettivi, senza mai rinunciare ai sogni e alle ambizioni e celando dietro l’inguaribile riservatezza una personalità complessa e sfaccettata, che custodiva e forse anche nascondeva gelosamente la sua vita privata.

Marie-Anne "Marik" Vos-Lundh, Ericsson da nubile, nacque a Leningrado nel 1923, da madre russa e padre svedese e fin da bambina fu attratta dal mondo del teatro, tanto che a soli dodici anni decise di dedicare la sua vita alla scenografia. A 16 anni si iscrisse alla Konstfack, Università di arti, artigianato e design a Stoccolma, dove studiò pittura decorativa, teoria della prospettiva e acquerello, laureandosi a soli 20 anni, nel 1943. Nel contempo, aveva affinato la sua formazione artistica presso la Scuola di pittura Otte Skölds, che frequentò tra il 1942 e il 1944. Proprio nel 1944 ebbe inizio la sua carriera professionale, in uno dei più prestigiosi teatri di Stoccolma, il Dramaten, Teatro Reale Drammatico, dove rimase per ben quarant'anni. Qui, nel 1946, firmò la sua prima scenografia, nel film Il giardino dei ciliegi, l’ultimo lavoro teatrale di Anton Čechov, dove seppe imporsi con uno stile e uno spessore realistico raramente eguagliati. Nei lunghi quarant’anni di permanenza al Dramaten, Vos-Lundh lavorò alla progettazione di scene e costumi per oltre 120 diverse produzioni teatrali, mostrando un talento e una dedizione che la portarono a ricoprire prestigiosi incarichi, tra cui quello di direttrice delle decorazioni nel 1963 e della produzione, l'anno successivo.

Marik Vos-Lundh, acquerello firmato per bossetto costume di Pigmalione

Alla carriera teatrale ben presto si aggiunge anche quella cinematografica e, nel 1952, Vos-Lundh inizia a lavorare con numerosi registi di fama, tra cui Alf Sjöberg, Mimi Pollak, Rune Carlsten, Bengt Ekerot, Per-Axel Branner. Il grande successo di pubblico a livello internazionale, però, arriva dopo la collaborazione con il regista e maestro Ingmar Bergman, iniziata nel 1960 per il film La fontana della vergine (Jungfrukällan). Da allora, la sinergia artistica tra i due si rivelò proficua e duratura, portandoli a realizzare insieme film di grande impatto, come l'austero dramma del 1963 Il silenzio (Tystnaden) e l'horror psicologico del 1968 L'ora del lupo, di cui Vos-Lundh curò la sceneggiatura oltre ai costumi. L’intesa artistica tra i due, fatta di genialità e creatività, continua a esprimersi in nuove forme di sperimentazioni artistiche soprattutto nella scelta cromatica dei costumi e delle scenografie, che non fu mai un semplice dettaglio, ma un vero e proprio strumento narrativo, capace di influenzare la percezione del pubblico e di determinare i temi della pellicola. Fu questo il risultato ottenuto nel classico d'epoca di Bergman del 1972, Sussurri e grida. Alla innovativa creatività della Vos-Lundh si deve la progettazione degli interni color cremisi, visivamente sorprendenti, nonché degli abiti di inizio secolo bianchi e neri meravigliosamente contrastanti, con i quali il colore diventa «racconto e trama stessa del film» – come scrisse Robert Zemignan in una sua recensione del film. Tale originale contributo all'estetica del film fu molto apprezzato, tanto da valere al film una nomination all'Oscar per i suoi straordinari costumi.

Nel 1982, Vos-Lundh e Bergman si ritrovarono per lavorare a Fanny e Alexander, un progetto ambizioso e profondamente personale per il regista, una sfida per lei che, per quest’opera monumentale, realizzò ben 250 costumi per gli attori principali e oltre 1000 per le comparse. Il risultato fu incredibile per Vos-Lundh: la sua capacità di immergersi nell'immaginario infantile e di tradurre la visione di Bergman in realtà diede vita a un lavoro eccezionale che le valse finalmente l'Oscar per i migliori costumi nel 1984, un premio che la consacrò come una delle più grandi costumiste del cinema mondiale. Quella geniale capacità nel coniugare scenografia e costumi, che contribuì a definire l'estetica di alcuni dei film più iconici di Ingmar Bergman, inoltre, la rese figura di riferimento nel panorama cinematografico internazionale. Marik Vos-Lundh muore a 71 anni, a Gotland, in Svezia, quando avrebbe potuto ancora mettere al servizio del teatro e del cinema il suo genio e la sua esperienza, ma di certo ha lasciato un'eredità artistica immensa, che si estende ben oltre il tempo in cui visse.

La creatività, il perfezionismo e l’attenzione ai dettagli l'hanno resa una maestra nel suo campo, dove ha saputo elevare il ruolo e l'importanza dei costumi nel teatro e nel cinema, ispirando generazioni di artiste/i e professioniste/i. Ha ricevuto tre candidature all'Oscar: per i costumi semplici e austeri delle sorelle protagoniste del film Cries and Whispers (1972), per quelli medievali realistici dei cavalieri e delle dame del film Il silenzio (1963) e per le scelte miste tra l’horror e il gotico nel film The Virgin Spring (1960). E non si può certo non menzionare il bellissimo abbigliamento svedese tradizionale dei bambini nel film Le avventure di Nils Holgersson. Quasi tutti i costumi sono stati esposti in alcuni dei più importanti musei del mondo, tra cui il Victoria and Albert Museum di Londra e il Metropolitan Museum of Art di New York.

Abiti bianchi indossati da Ingrid Thulin in Cries and Whispers, disegnati da Vos-Lundh

E che dire dell'anima poliedrica poco conosciuta che si nascondeva oltre le luci di quella ribalta. Vos-Lundh lavorò anche nella scenografia e nella produzione per la televisione; era fotografa e, da abile fotografa, immortalò i momenti salienti delle produzioni teatrali e cinematografiche a cui partecipava, creando un repertorio unico di immagini che oggi risiedono in diversi archivi svedesi. Marik Vos-Lundh fu anche una donna dai mille interessi, che si estendevano ben oltre i confini del teatro e del cinema, abbracciando l'attivismo sociale e l’impegno femminista. Nel 1960, fu eletta membro della Nya Idun, un'influente associazione culturale femminile svedese nel campo scientifico, letterario, artistico, educativo e sociale, di cui fu presidente dal 1977 al 1980.

Fu una femminista convinta, ha aperto la strada alle donne nell'industria cinematografica, all'epoca dominata dagli uomini, usando il suo lavoro per promuoverne la consapevolezza sociale e politica, ed è stata una mentore per molte giovani costumiste, aiutandole a iniziare con forza e determinazione la loro carriera. Ecco perché è diventata un modello di riferimento per molte donne. Per questo, oltre che per il talento, continua a essere un'ispirazione per le giovani generazioni.

«She never gives up and I like»

(Elle n'abandonne jamais et j'aime ça), disait Ingmar Bergman à son sujet, résumant en quelques mots la passion, le talent, la créativité et le dévouement à l'art qui ont fait de Marik Vos-Lundh une artiste incomparable, capable de transformer la réalité en pure magie. Femme indépendante et tenace, elle a su se battre pour atteindre ses objectifs, sans jamais renoncer à ses rêves et à ses ambitions, et cachant derrière une réserve incurable une personnalité complexe et multifacette, qui gardait et peut-être même cachait jalousement sa vie privée.

Marie-Anne « Marik » Vos-Lundh, née Ericsson, est née à Leningrad en 1923 d'une mère russe et d'un père suédois. Dès son enfance, elle a été attirée par le monde du théâtre, à tel point qu'à l'âge de douze ans seulement, elle a décidé de consacrer sa vie à la scénographie. À 16 ans, elle s'inscrit à la Konstfack, l'université des arts, de l'artisanat et du design de Stockholm, où elle étudie la peinture décorative, la théorie de la perspective et l'aquarelle, obtenant son diplôme à seulement 20 ans, en 1943. En même temps, il avait perfectionné sa formation artistique à l'école de peinture Otte Skölds, qu'il fréquenta entre 1942 et 1944. C'est précisément en 1944 qu'il débuta sa carrière professionnelle dans l'un des théâtres les plus prestigieux de Stockholm, le Dramaten, Théâtre royal dramatique, où il resta pendant quarante ans. C'est là, en 1946, qu'il signa sa première scénographie, dans le film Le Jardin des cerisiers, la dernière œuvre théâtrale d'Anton Tchekhov, où il sut s'imposer avec un style et une profondeur réaliste rarement égalés. Au cours de ses quarante longues années au Dramaten, Vos-Lundh a travaillé à la conception de décors et de costumes pour plus de 120 productions théâtrales différentes, faisant preuve d'un talent et d'un dévouement qui lui ont valu des postes prestigieux, notamment celui de directrice des décors en 1963 et de la production l'année suivante.

Marik Vos-Lundh, aquarelle signée pour une esquisse de costume de Pygmalion

À sa carrière théâtrale s'ajoute bientôt celle de cinéaste et, en 1952, Vos-Lundh commence à travailler avec de nombreux réalisateurs de renom, dont Alf Sjöberg, Mimi Pollak, Rune Carlsten, Bengt Ekerot et Per-Axel Branner. Mais c'est après sa collaboration avec le réalisateur et maître Ingmar Bergman, qui débuta en 1960 pour le film La source (Jungfrukällan), qu'il connaît un grand succès international. Depuis lors, la synergie artistique entre les deux hommes s'est avérée fructueuse et durable, les amenant à réaliser ensemble des films à fort impact, tels que le drame austère de 1963 Le Silence (Tystnaden) et le thriller psychologique de 1968 L'Heure du loup, dont Vos-Lundh a signé le scénario et les costumes. La complicité artistique entre les deux hommes, faite de génie et de créativité, continue de s'exprimer sous de nouvelles formes d'expérimentation artistique, notamment dans le choix des couleurs des costumes et des décors, qui n'a jamais été un simple détail, mais un véritable outil narratif, capable d'influencer la perception du public et de déterminer les thèmes du film. C'est le résultat obtenu dans le classique de Bergman de 1972, Cris et chuchotements. C'est à la créativité novatrice de Vos-Lundh que l'on doit la conception des intérieurs cramoisis, visuellement surprenants, ainsi que des costumes noir et blanc du début du siècle, merveilleusement contrastés, dans lesquels la couleur devient « le récit et l'intrigue même du film », comme l'écrit Robert Zemignan dans sa critique du film. Cette contribution originale à l'esthétique du film a été très appréciée, au point que le film a été nominé aux Oscars pour ses costumes extraordinaires.

En 1982, Vos-Lundh et Bergman se sont retrouvés pour travailler sur Fanny et Alexandre, un projet ambitieux et profondément personnel pour le réalisateur, un défi pour elle qui, pour cette œuvre monumentale, a réalisé pas moins de 250 costumes pour les acteurs principaux et plus de 1 000 pour les figurants. Le résultat fut incroyable pour Vos-Lundh : sa capacité à se plonger dans l'imaginaire enfantin et à traduire la vision de Bergman en réalité donna naissance à un travail exceptionnel qui lui valut enfin l'Oscar des meilleurs costumes en 1984, un prix qui la consacra comme l'une des plus grandes costumières du cinéma mondial. Son habileté géniale à conjuguer scénographie et costumes, qui a contribué à définir l'esthétique de certains des films les plus emblématiques d'Ingmar Bergman, a également fait d'elle une figure de référence dans le panorama cinématographique international. Marik Vos-Lundh est décédée à l'âge de 71 ans, à Gotland, en Suède, alors qu'elle aurait encore pu mettre son génie et son expérience au service du théâtre et du cinéma, mais elle a certainement laissé un immense héritage artistique, qui s'étend bien au-delà de l'époque où elle a vécu.

Sa créativité, son perfectionnisme et son souci du détail ont fait d'elle une maître dans son domaine, où elle a su rehausser le rôle et l'importance des costumes au théâtre et au cinéma, inspirant des générations d'artistes et de professionnels. Elle a été nominée trois fois aux Oscars : pour les costumes simples et austères des sœurs protagonistes du film Cries and Whispers (1972), pour les costumes médiévaux réalistes des chevaliers et des dames du film Il silenzio (1963) et pour les choix mixtes entre l'horreur et le gothique dans le film The Virgin Spring (1960). Et comment ne pas mentionner les magnifiques costumes traditionnels suédois pour enfants du film Les Aventures de Nils Holgersson. Presque tous les costumes ont été exposés dans certains des plus grands musées du monde, notamment le Victoria and Albert Museum de Londres et le Metropolitan Museum of Art de New York.

Costumes blancs portés par Ingrid Thulin dans Cris et chuchotements, dessinés par Vos-Lundh.

Et que dire de la personnalité polyvalente peu connue qui se cachait derrière les feux de la rampe ? Vos-Lundh a également travaillé dans la scénographie et la production pour la télévision ; elle était photographe et, en tant que photographe talentueuse, elle a immortalisé les moments forts des productions théâtrales et cinématographiques auxquelles elle participait, créant ainsi un répertoire unique d'images qui se trouvent aujourd'hui dans différentes archives suédoises. Marik Vos-Lundh était également une femme aux multiples intérêts, qui s'étendaient bien au-delà des frontières du théâtre et du cinéma, englobant l'activisme social et l'engagement féministe. En 1960, elle a été élue membre de Nya Idun, une influente association culturelle féminine suédoise dans les domaines scientifique, littéraire, artistique, éducatif et social, dont elle a été présidente de 1977 à 1980.

Elle était une féministe convaincue, elle a ouvert la voie aux femmes dans l'industrie cinématographique, alors dominée par les hommes, en utilisant son travail pour promouvoir la conscience sociale et politique, et elle a été le mentor de nombreuses jeunes costumières, les aidant à démarrer leur carrière avec force et détermination. C'est pourquoi elle est devenue un modèle pour de nombreuses femmes. Pour cette raison, et pour son talent, elle continue d'être une source d'inspiration pour les jeunes générations.

«She never gives up and I like»

(No se rinde nunca y eso me gusta), decía de ella Ingmar Bergman, resumiendo en pocas palabras la pasión, el talento, la índole creativa y la dedicación al arte que hicieron de Marik Vos-Lundh una artista inigualable, capaz de transformar la realidad en pura magia. Mujer independiente y tenaz, supo luchar para alcanzar sus objetivos sin renunciar jamás a sus sueños ni ambiciones, y ocultando, tras una incurable discreción, una personalidad compleja y multifacética que protegía —y quizás también escondía celosamente— su vida privada.

Marie-Anne "Marik" Vos-Lundh, de soltera Ericsson, nació en Leningrado en 1923, hija de madre rusa y padre sueco, y desde niña se sintió atraída por el mundo del teatro, tanto que a los doce años decidió dedicar su vida a la escenografía. A los 16 años se matriculó en la Konstfack, Universidad de Artes, Artesanía y Diseño de Estocolmo, donde estudió pintura decorativa, teoría de la perspectiva y acuarela, y se graduó a los 20 años, en 1943. Paralelamente, perfeccionó su formación artística en la Escuela de Pintura Otte Skölds, que cursó entre 1942 y 1944. Justamente en 1944 comenzó su carrera profesional en uno de los teatros más prestigiosos de Estocolmo, el Dramaten, Teatro Real Dramático, donde permaneció nada menos que cuarenta años. Allí, en 1946, firmó su primera escenografía, para la obra El jardín de los cerezos, la última pieza teatral de Antón Chéjov, en la que logró destacar con un estilo y una profundidad realista rara vez igualados. Durante sus largas cuatro décadas en el Dramaten, Vos-Lundh diseñó escenografías y vestuarios para más de 120 producciones teatrales, demostrando un talento y una dedicación que la llevaron a ocupar cargos prestigiosos, como el de directora de decorados en 1963 y el de directora de producción al año siguiente.

Marik Vos-Lundh, acuarela firmada para un boceto de vestuario de Pigmalión

A la carrera teatral pronto se sumó también la cinematográfica y, en 1952, Vos-Lundh comenzó a trabajar con una serie de directoras y directores de renombre, como Alf Sjöberg, Mimi Pollak, Rune Carlsten, Bengt Ekerot y Per-Axel Branner. Sin embargo, el gran éxito internacional de público llegó tras su colaboración con el director y maestro Ingmar Bergman, iniciada en 1960 con la película El manantial de la doncella (Jungfrukällan). Desde entonces, la sinergia artística entre ambos resultó fructífera y duradera, llevándolos a realizar juntos películas de gran impacto, como el austero drama de 1963, El silencio (Tystnaden), y el thriller psicológico de 1968, La hora del lobo, en el que Vos-Lundh se encargó tanto del vestuario como de la escenografía. La compenetración artística entre ambos, hecha de genialidad y creatividad, siguió manifestándose en nuevas formas de experimentación estética, especialmente en la elección cromática de vestuarios y decorados, que nunca fue un simple detalle, sino un verdadero recurso narrativo, capaz de influir en la percepción del público y de reforzar los temas de la película. Este enfoque alcanzó una de sus máximas expresiones en el clásico de época de Bergman de 1972, Gritos y susurros (Viskningar och rop). A la innovadora creatividad de Vos-Lundh se debe el diseño de los interiores en un rojo carmesí visualmente impactante, así como los trajes de principios de siglo en blanco y negro, maravillosamente contrastantes, con los que el color se convierte en «relato y trama misma de la película», como escribió Robert Zemignan en una reseña de la película. Esta contribución original a la estética del filme fue muy valorada, tanto que la cinta recibió una nominación al Oscar por su extraordinario vestuario.

En 1982, Vos-Lundh y Bergman volvieron a encontrarse para trabajar en Fanny y Alexander, un proyecto ambicioso y profundamente personal para el director, y un auténtico desafío para ella, que para esta obra monumental diseñó nada menos que 250 vestuarios para los actores principales y más de 1.000 para los extras. El resultado fue extraordinario: su capacidad para sumergirse en el imaginario infantil y traducir la visión de Bergman en realidad dio lugar a un trabajo excepcional, que finalmente le valió el Oscar al Mejor Vestuario en 1984, premio que la consagró como una de las mayores figurinistas del cine mundial. Esa genial habilidad para fusionar escenografía y vestuario, que contribuyó a definir la estética de algunas de las películas más icónicas de Ingmar Bergman, la convirtió además en una figura de referencia en el panorama cinematográfico internacional. Marik Vos-Lundh falleció a los 71 años en Gotland, Suecia, cuando aún tenía mucho que ofrecer al teatro y al cine con su talento y experiencia. Sin embargo, dejó un legado artístico inmenso, que trasciende el tiempo que le tocó vivir.

Su creatividad, su perfeccionismo y su meticulosa atención al detalle la convirtieron en una verdadera maestra en su campo, donde supo elevar el rol e importancia del vestuario en las artes escénicas y cinematográficas, inspirando a generaciones de artistas y profesionales. Recibió tres nominaciones al Oscar: por los vestuarios sobrios y austeros de las hermanas protagonistas de Gritos y susurros (Cries and Whispers, 1972), por los trajes medievales realistas de caballeros y damas en El silencio (Tystnaden, 1963) y por las elecciones entre lo gótico y el horror en El manantial de la doncella (The Virgin Spring, 1960). Y no se puede dejar de mencionar el bellísimo vestuario tradicional sueco de los niños en la película Las aventuras de Nils Holgersson. Casi todos sus diseños han sido expuestos en algunos de los museos más importantes del mundo, entre ellos el Victoria and Albert Museum de Londres y el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Vestidos blancos usados por Ingrid Thulin en Gritos y susurros, diseñados por Vos-Lundh

¿Y qué decir del alma polifacética y poco conocida que se escondía más allá de los reflectores? Vos-Lundh también trabajó en escenografía y producción para la televisión; fue fotógrafa y, como tal, supo captar momentos clave de las producciones teatrales y cinematográficas en las que participaba, creando un repertorio visual único que hoy forma parte de diversos archivos suecos. Marik Vos-Lundh fue también una mujer de múltiples intereses, que se extendían mucho más allá del teatro y el cine, abarcando también el activismo social y el compromiso feminista. En 1960, fue elegida miembro de la Nya Idun, una influyente asociación cultural femenina sueca dedicada a los ámbitos científico, literario, artístico, educativo y social, de la cual fue presidenta entre 1977 y 1980.

Feminista convencida, abrió camino a las mujeres en una industria cinematográfica dominada por hombres, utilizando su trabajo para promover una mayor conciencia social y política. Además, fue mentora de muchas jóvenes figurinistas, ayudándolas a comenzar su carrera con fuerza y determinación. Por eso se convirtió en un modelo de referencia para muchas mujeres. Y por eso —además de por su talento— sigue siendo una fuente de inspiración para las nuevas generaciones.

«She never gives up and I like»

Ingmar Bergman said of her, concentrating in a few words the passion, talent, creative nature and dedication to art that made Marik Vos-Lundh an unparalleled artist, capable of transforming reality into pure magic. An independent and tenacious woman, she knew how to fight to achieve her goals, never giving up her dreams and ambitions and concealing behind her incurable reserve a complex and multifaceted personality, which guarded and perhaps even jealously hid her private life.

Marie-Anne “Marik” Vos-Lundh, Ericsson by her maiden name, was born in Leningrad in 1923, to a Russian mother and Swedish father, and from an early age she was attracted to the world of theater. So much so that at only 12 she decided to devote her life to set design. At 16, she enrolled at Konstfack, University of Arts, Crafts and Design in Stockholm, where she studied decorative painting, perspective theory and watercolor, graduating at only 20, in 1943. At the same time, he had honed her artistic training at the Otte Skölds School of Painting, which she attended between 1942 and 1944. It was in 1944 that her professional career began, at one of Stockholm's most prestigious theaters, the Dramaten, Royal Dramatic Theater, where she remained for a full forty years. Here, in 1946, she signed her first set design, in The Cherry Orchard, Anton Chekhov's last play, where she was able to impose herself with a style and realistic depth rarely equaled. During her long forty-year tenure at Dramaten, Vos-Lundh worked on set and costume design for more than 120 different theatrical productions, displaying a talent and dedication that led her to hold prestigious positions, including director of scenery in 1963 and director of production the following year.

Marik Vos-Lundh, signed watercolor for a costume sketch of Pygmalion

Her theatrical career was soon joined by a film career, and in 1952, Vos-Lundh began working with a number of renowned directors, including Alf Sjöberg, Mimi Pollak, Rune Carlsten, Bengt Ekerot, and Per-Axel Branner. Great international acclaim, however, came after her collaboration with director and master Ingmar Bergman, which began in 1960 for the film The Virgin's Fountain (Jungfrukällan). Since then, the artistic synergy between the two proved fruitful and long-lasting, leading them to make such striking films together as the austere 1963 drama The Silence (Tystnaden) and the 1968 psychological horror film The Hour of the Wolf, for which Vos-Lundh managed the screenplay as well as the costumes. The artistic understanding between the two, based on both genius and creativity, continued to express itself in new forms of artistic experimentation especially in the color choice of costumes and sets, which was never a mere detail, but a real narrative tool, capable of influencing the audience's perception and determining the themes of the film. This was the result achieved in Bergman's 1972 period classic, Cries and Whispers. Vos-Lundh's innovative creativity was responsible for the design of the visually striking crimson-colored interiors, as well as the wonderfully contrasting black and white turn-of-the-century gowns, with which color becomes “the very narrative and plot of the film,” as Robert Zemignan wrote in a review of the film. Such an original contribution to the film's aesthetic was greatly appreciated, so much so that it earned the film an Oscar nomination for its extraordinary costumes.

In 1982, Vos-Lundh and Bergman got together again to work on Fanny and Alexander, an ambitious and deeply personal project for the director, and a challenge for her, who, for this monumental work, made as many as 250 costumes for the principal actors and more than 1,000 for the extras. The result was incredible for Vos-Lundh: her ability to immerse herself in children's imagery and translate Bergman's vision into reality gave rise to exceptional work that finally earned her an Oscar for best costume design in 1984, an award that established her as one of the greatest costume designers in world cinema. That genius ability to combine set design and costumes, which helped define the aesthetics of some of Ingmar Bergman's most iconic films, also made her a leading figure on the international film scene. Marik Vos-Lundh died at the age of 71, in Gotland, Sweden, when she could still have put her genius and experience at the service of theater and film. But she certainly left an immense artistic legacy that extends far beyond the time in which she lived.

Her creativity, perfectionism and attention to detail made her a master in her field, where she elevated the role and importance of costumes in theater and film, inspiring generations of female artists and professionals. She received three Oscar nominations: for the simple and austere costumes of the leading sisters in the film Cries and Whispers (1972), for the realistic medieval costumes of the knights and ladies in the film The Silence (1963), and for the mixed choices between horror and gothic in the film The Virgin Spring (1960). And one can hardly fail to mention the beautiful traditional Swedish clothing of the children in the film The Adventures of Nils Holgersson. Almost all the costumes have been exhibited in some of the world's most important museums, including the Victoria and Albert Museum in London and the Metropolitan Museum of Art in New York.

White costumes worn by Ingrid Thulin in Cries and Whispers, designed by Vos-Lundh

And what about the little-known multifaceted soul that lurked beyond the limelight. Vos-Lundh also worked in set design and production for television; she was a photographer and, as a skilled photographer, captured the highlights of the theater and film productions in which she participated, creating a unique repertoire of images that now reside in several Swedish archives. Marik Vos-Lundh was also a woman of many interests, which extended far beyond the boundaries of theater and film, embracing social activism and feminist engagement. In 1960, she was elected a member of Nya Idun, an influential Swedish women's cultural association in the fields of science, literature, art, education and social work, of which she was president from 1977 to 1980.

She was a staunch feminist, and paved the way for women in the then male-dominated film industry by using her work to promote social and political awareness, and she was a mentor to many young costume designers, helping them to start their careers with strength and determination. That is why she has become a role model for many women. For this, as well as for her talent, she continues to be an inspiration to younger generations.

Anna Anni
Laura Candiani

Giulia Capponi

Anna Anni nasce a Marradi, un borgo sul versante tosco-romagnolo dell'Appennino, in provincia di Firenze, il 21 novembre 1926; «fui adottata da due persone che ho amato molto, ho trascorso un'infanzia bellissima in campagna, in un borghetto medievale dove il tempo pareva essersi fermato», raccontava. Presto si trasferisce nel capoluogo, in Oltrarno, dove frequenta l'Istituto d'Arte sognando di fare la pittrice e comincia dipingendo giocattoli, foulard, ceramiche. Inizia il rapporto con il teatro come attrezzista, poi diviene acquarellista, disegnatrice e quindi costumista. L'esordio avviene per una regia prestigiosa, quella di Orson Welles, che nel 1953 le fece realizzare gli abiti per La locandiera di Goldoni e Il Volpone di Ben Jonson a Chicago. Il regista, che l'aveva contattata grazie alla mediazione dell'architetto Aristo Ciruzzi, aveva per lei grande ammirazione e la voleva accanto a sé in America, ma Anna non partì: «Mi prese il panico, che ci andavo a fare, non conoscevo nemmeno la lingua...». Nel 1954, per il Teatro alla Scala di Milano, disegnò l'attrezzeria per la messa in scena di Cenerentola. Proseguì collaborando con Mario Missiroli e l'Accademia d'Arte Drammatica di Roma per cui disegnò i costumi di scena di Turcaret, una commedia del francese Lesage. In varie occasioni lavorò a fianco di Paolo Poli per le rappresentazioni di Adamov, La nemica di Dario Niccodemi e Mistica di Ida Omboni.

A partire dal 196o, fino al 2006, ebbe una fruttuosa collaborazione con il regista Franco Zeffirelli, con cui si conoscevano fino dalla giovinezza frequentando il medesimo ambiente artistico; per lui disegnò gli abiti sia per spettacoli teatrali che per opere liriche memorabili, in Italia e all'estero, e pure per film. Divertente l'episodio relativo al loro primo incontro di tipo professionale. Anna si presentò infatti a casa sua, a Roma, di domenica mattina alle 8 in punto. Aprì la porta con vivo stupore l'attore fiorentino Alfredo Bianchini che l'apostrofò: «Nini, o che si viene nelle case a quest'ora?». Comunque si mantenne tutta la vita una bella, affettuosa amicizia. Citiamo innanzitutto i costumi della Lupa di Verga con una strepitosa Anna Magnani di cui Anna Anni serbava un ricordo vivissimo; era solita affermare di non aver mai più visto una recitazione tanto emozionante. Fu poi la volta dei ricchi abiti in prezioso broccato per Maria Stuarda di Schiller con la coppia di primedonne Valentina Cortese e Rossella Falk al Teatro della Pergola di Firenze; e Zeffirelli raccontava di essersi commosso nel vedere gli schizzi preparatori, tanto erano aderenti alla situazione storica. Riguardo alle opere liriche si segnalano Alcina di Händel alla Fenice di Venezia, nel 1960, che fu il suo esordio di costumista in questo campo e il debutto in Italia della celebrata cantante Joan Sutherland, e poi Turandot e Don Carlo alla Scala di Milano (anche film per la televisione, 1992), Don Giovanni e una grandiosa edizione di Carmen al Metropolitan di New York per cui realizzò 480 costumi, Aida a Tokyo e all'Arena di Verona, dove ci fu un nuovo allestimento di Carmen.

La collaborazione si estese anche al documentario Per Firenze (1966) e ad alcuni film: Pagliacci (1982), Cavalleria rusticana (1982), i cui abiti ― presi fedelmente dalla tradizione siciliana e ricamati a mano ― fecero epoca, Otello per il quale fu candidata agli Oscar e ai David di Donatello nel 1987. Nel 2000 per il film Un tè con Mussolini, ancora di Zeffirelli, fu candidata dalla British Academy of Film and Television Arts e vinse il Nastro d'argento. A fianco di Zeffirelli fu con i costumi dell'Aida "in miniatura" (ripresa quasi venti anni dopo per la riapertura del teatrino restaurato di Busseto, senza che la messa in scena risultasse invecchiata) e l'ultima volta in ambito cinematografico con Callas forever, interpretato da Fanny Ardant, del 2002. Ma per l'opera lirica furono ancora insieme con Don Giovanni nel 2006 all'Opera di Roma, per cui Anna superò sé stessa e fece rimanere a bocca aperta il pubblico grazie ad abiti sfarzosi che riproducevano una visione alla Goya del mondo settecentesco.

Nel cinema vanno citate altre collaborazioni, cominciando con una versione del balletto Giselle (regia di Herbert Ross, 1987, con Mikhail Barishnikov) e varie produzioni per la televisione, sempre relative a opere liriche: Turandot, Don Giovanni, Carmen (in due diverse edizioni, 1997 e 2003), l'episodio Turandot di Puccini, dal vivo, di una serie curata dal Teatro Metropolitan nel 2009. Per la Rai ideò i costumi di Grand Hotel Folies, uno show del 1978 con la poliedrica attrice Milena Vukotic, affiancata da Paolo Poli e Glauco Mauri, e la regia di Massimo Scaglione, e di due divertenti commedie dedicate alla maschera fiorentina di Stenterello, interpretato da Alfredo Bianchini: Stenterello re in sogno e Stenterello a Tunisi con la regia di Mario Ferrero, nel 1975. Nel teatro lirico lavorò con tanti altri registi di chiara fama fra i quali Luciano Alberti in Parisina d'Este di Donizetti all'Accademia Musicale Chigiana di Siena, Dafne e L'elisir d'amore al Maggio Musicale Fiorentino, Raymond Rouleau in Luisa Miller nella stessa sede, Sandro Sequi in Ifigenia in Aulide e I puritani al Teatro Comunale di Bologna, Orfeo di Monteverdi a Lisbona, La figlia del reggimento al Covent Garden londinese, Mauro Bolognini in Tosca di Puccini al Teatro dell'Opera di Roma, Il pirata di Bellini e Mosè in Egitto di Rossini al Comunale di Firenze.

Una parte della sua carriera fu dedicata al balletto, per cui disegnò in più occasioni sia le scene che i costumi; collaborò fra gli altri con Sylvano Bussotti per Le Bal Mirò, l'uccello luce, in scena a Firenze. Alcuni spettacoli di grande prestigio furono interpretati dalla insuperabile Carla Fracci e ideati dal marito, il regista Beppe Menegatti, come Il fiore di pietra, Il bacio della fata, La Péri presso il Teatro Comunale di Bologna, i celeberrimi Giselle e Coppélia a Bergamo, Hommages Romantiques al Maggio Musicale Fiorentino, La scuola di ballo al Teatro Olimpico di Vicenza, la versione danzata tratta dalla Locandiera di Goldoni, dal titolo Mirandolina, e Il principe delle Pagode alla Fenice di Venezia, infine Senso, rivisitazione del film di Visconti, al Teatro Massimo di Palermo. Per il famoso ballerino russo Rudolf Nureyev creò i costumi per Don Chisciotte e Le Silfidi che andarono in scena ad Anversa. Parallelamente a questa impegnativa attività, non va dimenticato che Anni fu sempre una appassionata insegnante di disegno all'Istituto professionale Cellini - Tornabuoni di Firenze; raccontava: «la notte andavo a Roma sul set, il giorno dopo ero al mio posto d'insegnante», fiera di aver comunicato alle allieve e agli allievi i segreti del mestiere.

Anna Anni nel 2007 ricevette il premio di eccellenza dell'Accademia Italiana, mentre l'anno precedente ebbe il raro onore di venire omaggiata per i 50 anni di carriera e di vedere molti suoi costumi esposti a Palazzo Pitti nella mostra Dal segno alla scena, curata dagli esperti d'arte Antonio Paolucci e Carlo Sisi; fu l'occasione unica di ammirare gli abiti da vicino e di poterne osservare la qualità della realizzazione, insieme ai disegni e ai bozzetti preparatori, poi acquisiti dal Gabinetto degli Uffizi. Anni era celebre proprio per la cura dei dettagli e la precisione filologica, ma anche perché, grazie a delle fotografie che si faceva inviare, modellava come ogni brava sarta gli abiti su attori, attrici, o cantanti, cogliendo così la personalità dell'interprete, il suo volto, il suo corpo da inserire efficacemente nella messa in scena, in piena sintonia con le scelte registiche. Era nota pure per il suo carattere schivo; al momento della scomparsa, avvenuta a Firenze il 1° gennaio 2011, Zeffirelli ebbe a dire in un'intervista: «Piccolina, timidissima e però dal carattere di ferro. [...]Stava troppo in retrovia. [...]Sempre a dire che c'era qualcuno meglio di lei. La mia Annina era un talento raro, tutto le sembrava difficilissimo da realizzare, invece lei era la miglior disegnatrice che io abbia mai visto. Ora mi sento più solo e ho paura». Il grande regista non dovette rimanere solo troppo a lungo; si spense infatti a Roma il 15 giugno 2019.

Anna Anni, costumière et scénographe de renommée internationale par Laura Candiani Anna Anni est née à Marradi, un village situé sur le versant toscan-romagnol des Apennins, dans la province de Florence, le 21 novembre 1926 ; « J'ai été adoptée par deux personnes que j'aimais beaucoup, j'ai passé une enfance merveilleuse à la campagne, dans un petit village médiéval où le temps semblait s'être arrêté », racontait-elle. Elle déménage rapidement dans la capitale, dans le quartier d'Oltrarno, où elle fréquente l'Institut d'art en rêvant de devenir peintre et commence à peindre des jouets, des foulards, des céramiques. Elle débute dans le théâtre en tant qu'accessoiriste, puis devient aquarelliste, dessinatrice et enfin costumière. Elle fait ses débuts pour une mise en scène prestigieuse, celle d'Orson Welles, qui lui fait réaliser en 1953 les costumes pour La locandiera de Goldoni et Il Volpone de Ben Jonson à Chicago. Le metteur en scène, qui l'avait contactée grâce à l'architecte Aristo Ciruzzi, avait une grande admiration pour elle et voulait l'avoir à ses côtés en Amérique, mais Anna ne partit pas : « J'ai paniqué, je ne savais pas ce que j'allais faire là-bas, je ne connaissais même pas la langue... ». En 1954, pour le Teatro alla Scala de Milan, elle dessine les décors pour la mise en scène de Cenerentola. Elle continua à collaborer avec Mario Missiroli et l'Accademia d'Arte Drammatica de Rome, pour laquelle elle dessina les costumes de scène de Turcaret, une comédie du Français Lesage. À plusieurs reprises, elle travailla aux côtés de Paolo Poli pour les représentations d'Adamov, La nemica de Dario Niccodemi et Mistica d'Ida Omboni.

À partir de 1960 et jusqu'en 2006, elle a collaboré fructueusement avec le réalisateur Franco Zeffirelli, qu'elle connaissait depuis sa jeunesse car ils fréquentaient les mêmes cercles artistiques. Elle a dessiné pour lui les costumes de spectacles théâtraux et d'opéras mémorables, en Italie et à l'étranger, ainsi que pour des films. L'anecdote relative à leur première rencontre professionnelle est amusante. Anna se présenta en effet chez lui, à Rome, un dimanche matin à 8 heures pile. L'acteur florentin Alfredo Bianchini ouvrit la porte avec un vif étonnement et s'exclama : « Nini, on ne vient pas chez les gens à cette heure-ci ! ». Quoi qu'il en soit, ils entretinrent toute leur vie une belle et affectueuse amitié. Citons tout d'abord les costumes de La Lupa de Verga avec une Anna Magnani époustouflante, dont Anna Anni gardait un souvenir très vif ; elle avait l'habitude de dire qu'elle n'avait jamais vu une interprétation aussi émouvante. Ce fut ensuite au tour des riches costumes en brocart précieux pour Marie Stuart de Schiller, avec le duo de prima donna Valentina Cortese et Rossella Falk au Teatro della Pergola de Florence ; Zeffirelli racontait avoir été ému en voyant les croquis préparatoires, tant ils étaient fidèles à la situation historique. En ce qui concerne les opéras, on peut citer Alcina de Händel à la Fenice de Venise, en 1960, qui marqua ses débuts en tant que costumier dans ce domaine et les débuts en Italie de la célèbre chanteuse Joan Sutherland, puis Turandot et Don Carlo à la Scala de Milan (également film pour la télévision, 1992), Don Giovanni et une grandiose édition de Carmen au Metropolitan de New York pour laquelle il a réalisé 480 costumes, Aida à Tokyo et à l'Arena de Vérone, où il y eut une nouvelle mise en scène de Carmen.

La collaboration s'étendit également au documentaire Per Firenze (1966) et à plusieurs films : Pagliacci (1982), Cavalleria rusticana (1982), dont les costumes ― fidèles à la tradition sicilienne et brodés à la main ― firent date, Otello, pour lequel elle fut nominée aux Oscars et aux David di Donatello en 1987. En 2000, pour le film Un thé avec Mussolini, toujours de Zeffirelli, elle a été nominée par la British Academy of Film and Television Arts et a remporté le Nastro d'argento. Aux côtés de Zeffirelli, elle a travaillé sur les costumes de l'Aida « en miniature » (reprise près de vingt ans plus tard pour la réouverture du petit théâtre restauré de Busseto, sans que la mise en scène ne paraisse vieillie) et, pour la dernière fois dans le domaine cinématographique, sur Callas forever, interprété par Fanny Ardant, en 2002. Mais pour l'opéra, ils ont encore collaboré avec Don Giovanni en 2006 à l'Opéra de Rome, où Anna s'est surpassée et a laissé le public bouche bée grâce à des costumes somptueux qui reproduisaient une vision à la Goya du monde du XVIIIe siècle.

Au cinéma, d'autres collaborations méritent d'être mentionnées, à commencer par une version du ballet Giselle (réalisée par Herbert Ross, 1987, avec Mikhail Barishnikov) et diverses productions pour la télévision, toujours liées à l'opéra : Turandot, Don Giovanni, Carmen (en deux éditions différentes, 1997 et 2003), l'épisode Turandot de Puccini, en direct, d'une série organisée par le Metropolitan Theatre en 2009. Pour la Rai, il a conçu les costumes de Grand Hotel Folies, un spectacle de 1978 avec la polyvalente actrice Milena Vukotic, accompagnée de Paolo Poli et Glauco Mauri, et mis en scène par Massimo Scaglione, ainsi que deux comédies divertissantes consacrées au masque florentin de Stenterello, interprété par Alfredo Bianchini : Stenterello re in sogno et Stenterello a Tunisi, mises en scène par Mario Ferrero, en 1975. Au théâtre lyrique, il a travaillé avec de nombreux autres metteurs en scène de renom, dont Luciano Alberti dans Parisina d'Este de Donizetti à l'Accademia Musicale Chigiana de Sienne, Dafne et L'elisir d'amore au Maggio Musicale Fiorentino, Raymond Rouleau dans Luisa Miller au même endroit, Sandro Sequi dans Ifigenia in Aulide et I puritani au Teatro Comunale de Bologne, Orfeo de Monteverdi à Lisbonne, La figlia del reggimento au Covent Garden de Londres, Mauro Bolognini dans Tosca de Puccini au Teatro dell'Opera de Rome, Il pirata de Bellini et Mosè in Egitto de Rossini au Comunale de Florence.

Une partie de sa carrière a été consacrée au ballet, pour lequel il a dessiné à plusieurs reprises les décors et les costumes ; il a notamment collaboré avec Sylvano Bussotti pour Le Bal Mirò, l'uccello luce, mis en scène à Florence. Certaines pièces prestigieuses ont été interprétées par l'incomparable Carla Fracci et conçues par son mari, le metteur en scène Beppe Menegatti, comme Il fiore di pietra, Il bacio della fata, La Péri au Teatro Comunale de Bologne, les célèbres Giselle et Coppélia à Bergame, Hommages Romantiques au Maggio Musicale Fiorentino, La scuola di ballo au Teatro Olimpico de Vicence, la version dansée tirée de La Locandiera de Goldoni, intitulée Mirandolina, et Il principe delle Pagode à la Fenice de Venise, enfin Senso, revisitation du film de Visconti, au Teatro Massimo de Palerme. Pour le célèbre danseur russe Rudolf Nureyev, elle a créé les costumes de Don Chisciotte et Le Silfidi qui ont été mis en scène à Anversa. Parallèlement à cette activité exigeante, il ne faut pas oublier qu'Anni a toujours été une professeure de dessin passionnée à l'Institut professionnel Cellini - Tornabuoni de Florence ; elle racontait : « La nuit, j'allais à Rome sur le plateau, le lendemain, j'étais à mon poste d'enseignante », fière d'avoir transmis à ses élèves les secrets du métier.

En 2007, Anna Anni a reçu le prix d'excellence de l'Académie italienne, tandis que l'année précédente, elle a eu l'honneur rare d'être honorée pour ses 50 ans de carrière et de voir nombre de ses costumes exposés au Palazzo Pitti dans le cadre de l'exposition Dal segno alla scena (Du signe à la scène), organisée par les experts en art Antonio Paolucci et Carlo Sisi. Ce fut une occasion unique d'admirer les vêtements de près et d'observer la qualité de leur fabrication, ainsi que les dessins et les croquis préparatoires, qui ont ensuite été acquis par le Cabinet des Offices. Anni était célèbre pour son souci du détail et sa précision philologique, mais aussi parce que, grâce aux photographies qu'on lui envoyait, elle modelait, comme toute bonne couturière, les vêtements sur les acteurs, les actrices ou les chanteurs, saisissant ainsi la personnalité de l'interprète, son visage, son corps, afin de les intégrer efficacement dans la mise en scène, en parfaite harmonie avec les choix du metteur en scène. Elle était également connue pour son caractère réservé ; lors de son décès, survenu à Florence le 1er janvier 2011, Zeffirelli déclara dans une interview : « Petite, très timide, mais dotée d'un caractère bien trempé. [...] Elle restait trop en retrait. [...] Elle disait toujours qu'il y avait quelqu'un de meilleur qu'elle. Ma petite Annina était un talent rare, tout lui semblait très difficile à réaliser, alors qu'elle était la meilleure dessinatrice que j'aie jamais vue. Maintenant, je me sens plus seul et j'ai peur ». Le grand réalisateur n'est pas resté seul trop longtemps ; il s'est éteint à Rome le 15 juin 2019.

Anna Anni nació en Marradi, un pueblo en los Apeninos entre Toscana y Romaña, en la provincia de Florencia, el 21 de noviembre 1926; «fui adoptada por dos personas a las que quise mucho, pasé una infancia maravillosa en el campo, en un pueblecito medieval donde el tiempo parecía haberse detenido», contaba ella. Pronto, se mudó a la capital, en Oltrarno, donde asistía al Instituto de Arte, soñando con ser pintora, y empezó pintando juguetes, pañuelos y cerámicas. Comenzó su relación con el teatro como utilera, luego se convirtió en acuarelista, dibujante y finalmente diseñadora de vestuario. Su debut se produjo bajo la prestigiosa dirección de Orson Welles, quien en 1953 le encargó el vestuario para La Locandiera de Goldoni y Il Volpone o el zorro (Il Volpone) de Ben Jonson en Chicago. El director, que se había puesto en contacto con ella gracias a la mediación del arquitecto Aristo Cirruzzi, sentía una gran admiración por ella y quería tenerla a su lado en los Estados Unidos, pero Anna no se marchó: «Me entró el pánico, ¿qué iba a hacer allí, si ni siquiera sabía el idioma…?». En 1954 diseñó la utilería para la puesta en escena de Cenicienta (Cenerentola) en el Teatro alla Scala de Milán. Siguió colaborando con Mario Missiroli y la Academia de Arte Dramático de Roma, para la que diseñó el vestuario de Tucaret, una comedia del autor francés Lesage. En varias ocasiones trabajó junto a Paolo Poli en las representaciones de Adamov, La enemiga de Dario Niccodemi y Mística de Ida Omboni.

Desde 1960 hasta 2006, mantuvo una fructífera colaboración con el director de cine Franco Zeffirelli, a quien conocía desde su juventud, ya que ambos frecuentaban los mismos círculos artísticos; para él diseñó el vestuario tanto para obras de teatro como para óperas memorables, en Italia y en el extranjero, y también para películas. Es divertida la anécdota relacionada con su primer encuentro profesional. De hecho, Anna se presentó a su casa, en Roma, un domingo por la mañana a las 8 en punto. El actor florentino Alfredo Bianchini abrió la puerta con gran sorpresa y le dijo: «Nini, ¿Qué haces en las casas de las personas a estas horas?». Por cierto, mantuvieron una afectuosa amistad durante toda su vida. Cabe mencionar en primer lugar el vestuario de La Lupa de Verga, de la que Anna guardaba un recuerdo muy vívido; solía afirmar que nunca había vuelto a ver una interpretación tan emocionante. Luego llegó el turno de los ricos trajes de brocado para María Estuardo de Schiller, con la pareja de primedonne Valentina Cortese y Rossella Falk, en el Teatro della Pergola de Florencia; y Zeffirelli contaba que se había emocionado al ver los bocetos preparatorios, por lo fieles que eran a la ambientación histórica. En cuanto a las óperas, caben destacar Alcina de Händel, en la Fenice de Venecia en 1960, que representó su debut como diseñadora de vestuario en este campo y el debut en Italia de la célebre cantante Joan Sutherland; luego Turandot y Don Carlos en La Scala de Milán (también película para televisión, 1992); Don Juan y una grandiosa edición de Carmen en el Teatro Metropolitan de Nueva York, para la que realizó 480 trajes; Aida en Tokio y en la Arena de Verona, donde se estrenó una nueva versión de Carmen.

La colaboración se extendió también al documental Per Firenze (1966) y a unas películas: Pagliacci (1982), Cavalleria Rusticana (1982) cuyos trajes –fieles a la tradición siciliana y bordados a mano– marcaron una época y Otelo, por la que fue nominada a los premios Oscar y David de Donatello en 1987. En 2000, por la película Té con Mussolini, también de Zeffirelli, fue nominada por la British Academy of Film and Television Arts y ganó el Nastro d’argento. Junto a Zeffirelli, trabajó en el vestuario de Aida “en miniatura” (reestrenada casi veinte años después para la reapertura del teatro restaurado de Busseto, sin que la puesta en escena resultara anticuada) y, por última vez en el ámbito cinematográfico, en Callas Forever, interpretada por Fanny Ardant en 2002. Pero en el ámbito de la ópera volvieron a trabajar juntos en Don Juan en 2006 en la Opera de Roma, donde Anna se superó a sí misma y dejó boquiabierto al público gracias a los lujosos trajes que reproducían una visión goyesca del mundo del siglo XVIII.

En el cine hay que mencionar otras colaboraciones, empezando por una versión del balé Giselle (dirigida por Herbert Ross. En 1987, con Mikhail Barishnikov) y otras producciones para televisión, también relacionadas con la ópera: Turandot, Don Juan, Carmen (en dos ediciones diferentes de 1997 y de 2003), el episodio Turandot de Puccini, en directo, dentro de una serie producida por el Teatro Metropolitan en 2009. Para la Rai ideó el vestuario de Grand Hotel Folies, un espectáculo de 1987 con la polifacética actriz Milena Vukotic, acompañada por Paolo Poli y Glauco Mauri, y dirigido por Massimo Scaglione, y de dos divertidas comedias dedicadas al personaje florentino de Stenterello, interpretado por Alfredo Bianchini: Stenterello re in sogno y Stenterello a Tunisi, dirigidas por Mario Ferrero en 1975. En el teatro lírico trabajó con muchos otros directores de renombre, entre ellos Luciano Alberti en Parisina (Parisina d’Este de Donizetti) en la Accademia Musicale Chigiana de Siena, Dafne y El elixir de amor en el Maggio Musicale Fiorentino, Raymond Rouleau en Luisa Miller en el mismo lugar, Sandro Sequi en Ifigenia in Aulide y Los puritanos de Escocia (I puritani) en el Teatro Comunale de Bolonia, Orfeo de Monteverdi en Lisboa, La hija del regimiento en el Covent Garden de Londres, Mauro Bolognini en Tosca de Puccini en el Teatro dell’Opera de Roma, El pirata de Bellini y Moisés en Egipto de Rossini en el Teatro Comunale de Florencia.

Parte de su carrera fue dedicada al balé, para el que diseñó en muchas ocasiones tanto la escenografía come el vestuario; entre otros, colaboró con Sylvano Bussotti en Le Bal Miró, l’uccello luce, representado en Florencia. Algunos espectáculos de gran prestigio fueron interpretados por la insuperable Carla Fracci y concebidos por su marido, el director Beppe Menegatti, como por ejemplo La flor de piedra, El beso del hada, La Péri en el Teatro Comunale de Bolonia, las famosísimas Giselles y Coppélia en Bérgamo, Hommages Romantiques en el Maggio Musicale Fiorentino, La scuola di ballo en el Teatro Olimpico de Vicenza, la versión bailada basada en la Locandiera de Goldoni, titulada Mirandolina, y El príncipe de las Pagodas en la Fenice de Venecia, y finalmente Senso, una revisión de la película de Visconti, en el Teatro Massimo de Palermo. Para el famoso bailarín ruso Rudolf Nureyev creó el vestuario de Don Quijote y Las sílfides, que se representaron en Amberes. Paralelamente a esta intensa actividad, no hay que olvidar que Anni siempre fue una apasionada profesora de dibujo en el Instituto Profesional Cellini-Tornabuoni de Florencia; ella contaba: «por la noche iba a Roma al plató, al día siguiente estaba en mi puesto de profesora», orgullosa de haber transmitido a sus alumnas y alumnos los secretos del oficio.

En 2007 Anna Anni recibió el premio a la excelencia italiana de la Academia Italiana, mientras que el año anterior tuvo el raro honor de ser homenajeada por sus 50 años de carrera y de ver muchos de sus trajes expuestos en el Palazzo Pitti en la exposición Dal disegno alla scena (Del dibujo al escenario), comisariada por los expertos en arte Antonio Paolucci y Carlo Sisi. Fue una ocasión única para admirar los trajes desde cerca y observar la calidad de su confección, junto con los dibujos y bocetos preparatorios, que posteriormente fueron adquiridos por el Gabinetto degli Uffizi . Anni era famosa precisamente por su atención al detalle y su atención filológica, pero también porque, gracias a las fotografías que le enviaban, modelaba, como toda buena modista, los trajes sobre actores, actrices o cantantes, captando así la personalidad del intérprete, su rostro, su cuerpo, para insertarlo eficazmente en la puesta en escena, en plena sintonía con las decisiones del director. También era conocida por su carácter reservado; cuando falleció en Florencia el 1 de enero de 2017, Zeffirelli dijo en una entrevista: «Pequeña, muy tímida, pero con un carácter de hierro. […] Se mantenía demasiado en segundo plano. […] Siempre decía que había alguien mejor que ella. Mi Annina era un talento excepcional, todo le parecía difícil de realizar, pero era la mejor dibujante que haya visto.» El gran director no tuvo que permanecer solo demasiado tiempo; falleció en Roma el 15 de junio de 2019.

Anna Anni was born in Marradi, a village on the Tuscan-Romagna side of the Apennines, in the province of Florence, on Nov. 21, 1926. "I was adopted by two people I loved very much, I spent a beautiful childhood in the countryside, in a medieval hamlet where time seemed to stand still," she recounted. Soon she moved to the capital, in Oltrarno, where she attended the Art Institute dreaming of being a painter, and began by painting toys, scarves, ceramics. She began her relationship with the theater as a prop maker, then became a watercolorist, designer and then costume designer. Her debut came with a prestigious director, Orson Welles, who in 1953 had her make the costumes for Goldoni's La locandiera (Mistress of the Inn) and Ben Jonson's Volpone in Chicago. The director, who had contacted her through the mediation of the architect Aristo Ciruzzi, had great admiration for her and wanted her by his side in America, but Anna would not go. "I panicked,” she said, “what was I going there for, I didn't even know the language...." In 1954, for the Teatro alla Scala in Milan, she designed the props for the staging of Cinderella. She continued by collaborating with Mario Missiroli and the Accademia d'Arte Drammatica in Rome, for which she designed the costumes for Turcaret, a play by the French playwright Lesage. On several occasions she worked alongside Paolo Poli on performances of Adamov, Dario Niccodemi's La nemica and Ida Omboni's Mistica.

Beginning in 1960, until 2006, she had a fruitful collaboration with director Franco Zeffirelli. They had known each other since their youth by frequenting the same artistic milieu. For him she designed the clothes for both theatrical performances and memorable operas, in Italy and abroad, as well as for films. An episode concerning their first meeting of a professional kind is amusing. Anna showed up at his home in Rome on a Sunday morning at 8:00 am. She opened the door in lively astonishment to the Florentine actor Alfredo Bianchini, who exclaimed, "Nini, do you come to houses at this hour?" However, a beautiful, affectionate friendship was maintained all their lives. Let us mention first of all the costumes of Verga's Lupa with a stunning Anna Magnani of whom Anna Anni kept a very vivid memory. She used to say that she had never seen such exciting acting. Then it was the turn of the rich gowns in precious brocade for Schiller's Maria Stuarda with the pair of prima donnas Valentina Cortese and Rossella Falk at the Teatro della Pergola in Florence. Zeffirelli used to tell of being moved to tears when he saw the preparatory sketches, that so closely conformed to the historical situation. With regard to operas, mention should be made of Händel's Alcina at the Fenice in Venice, in 1960, which was her debut as costume designer in this field and the Italian debut of the celebrated singer Joan Sutherland, and then Turandot and Don Carlo at La Scala in Milan (also a television film, 1992), Don Giovanni and a grandiose edition of Carmen at the Metropolitan Opera in New York for which she made 480 costumes, Aida in Tokyo, and at the Arena in Verona, where there was a new staging of Carmen.

The collaboration also extended to the documentary Per Firenze (1966) and to a number of films: Pagliacci (1982), Cavalleria rusticana (1982), whose gowns-taken faithfully from Sicilian tradition and embroidered by hand, Otello for which she was nominated for an Oscar and a David di Donatello award in 1987. In 2000 for the film Un tè con Mussolini, again by Zeffirelli, she was nominated by the British Academy of Film and Television Arts and won the Silver Ribbon. Alongside Zeffirelli she did the costumes for Aida "in miniature" (revived almost twenty years later for the reopening of the restored little theater in Busseto) and last on film with 2002's Callas Forever, starring Fanny Ardant. For opera, they were together again with Don Giovanni in 2006 at the Rome Opera House, for which Anna outdid herself and made the audience gasp in amazement thanks to opulent gowns that reproduced a Goya-like vision of the 18th-century world.

In film, other collaborations should be mentioned, beginning with a version of the ballet Giselle (directed by Herbert Ross, 1987, starring Mikhail Barishnikov) and various productions for television, again relating to operas: Turandot, Don Giovanni, Carmen (in two different editions, 1997 and 2003), the live-action episode of Puccini's Turandot from a series curated by the Metropolitan Theater in 2009. For RAI she designed the costumes for Grand Hotel Folies, a 1978 show starring the multifaceted actress Milena Vukotic, flanked by Paolo Poli and Glauco Mauri, and directed by Massimo Scaglione, and for two amusing comedies dedicated to the Florentine mask of Stenterello, played by Alfredo Bianchini: Stenterello re in sogno and Stenterello a Tunisi directed by Mario Ferrero, in 1975. In opera she worked with many other renowned directors including Luciano Alberti in Donizetti's Parisina d'Este at the Accademia Musicale Chigiana in Siena, Dafne and L'elisir d'amore at the Maggio Musicale Fiorentino, Raymond Rouleau in Luisa Miller at the same venue, Sandro Sequi in Iphigenia in Aulide and I puritani at the Teatro Comunale di Bologna, Monteverdi's Orfeo in Lisbon, La figlia del reggimento at London's Covent Garden, Mauro Bolognini in Puccini's Tosca at the Teatro dell'Opera di Roma, Bellini's Il pirata and Rossini's Mosè in Egitto at the Comunale di Firenze.

Part of her career was devoted to ballet, for which she designed both sets and costumes on several occasions. She collaborated with, among others, Sylvano Bussotti for Le Bal Mirò, l’uccello luce, staged in Florence. A number of highly prestigious shows were interpreted by the unsurpassed Carla Fracci and conceived by her husband, director Beppe Menegatti, such as Il fiore di pietra, Il bacio della fata, La Péri at the Teatro Comunale in Bologna, the very famous Giselle and Coppélia in Bergamo, Hommages Romantiques at the Maggio Musicale Fiorentino, La scuola di ballo at the Teatro Olimpico in Vicenza, the danced version taken from Goldoni's Locandiera, entitled Mirandolina, and Il principe delle Pagode at the Fenice in Venice, and finally Senso, a revival of Visconti's film, at the Teatro Massimo in Palermo. For the famous Russian dancer Rudolf Nureyev she created costumes for Don Quixote and Les Sylphides, which were staged in Antwerp. Parallel to this demanding activity, it should not be forgotten that Anni was always a passionate teacher of drawing at the Cellini - Tornabuoni professional institute in Florence. She recounted, "at night I would go to Rome on the set, the next day I was at my teaching post," proud to have communicated the secrets of the craft to her pupils and students.

In 2007 Anna Anni received the Italian Academy's Award of Excellence, while the previous year she was honored for her 50-year career and saw many of her costumes on display at Palazzo Pitti in the exhibition Dal segno alla scena, curated by art experts Antonio Paolucci and Carlo Sisi. It was a unique opportunity to admire the costumes up close and to be able to observe their quality, along with the drawings and preparatory sketches, later acquired by the Uffizi Cabinet. Anni was famous precisely for her attention to detail and philological precision, but also because, thanks to photographs she had sent to her, she modeled, like any good seamstress, the clothes on actors, actresses, or singers, thus capturing the personality of the performer, her face, her body to be effectively inserted into the staging, in full harmony with directorial choices. She was also known for her modest character. At the time of her death, which occurred in Florence on January 1, 2011, Zeffirelli had this to say in an interview, "Petite, very shy and yet with an iron character. [...]She was too much in the background. [...]Always saying there was someone better than her. My Annina was a rare talent, everything seemed so difficult for her to accomplish, instead she was the best draftsman I ever saw. Now I feel more lonely and afraid." The great director did not have to be alone for too long - he passed away in Rome on June 15, 2019.

Gertrude Martin

Martina Zinni

La Cattedrale di Westminster, da non confondere con l'abbazia di Westminster, è una delle chiese cattoliche più importanti di Londra, costruita tra il 1895 e il 1903 in stile neoromanico, con numerosi richiami all'arte bizantina. Sfoggia mosaici luminosi e dettagliati, essendo stata concepita fin dall'inizio come una vetrina per l'arte musiva. Pochi sanno, però, che gran parte dei mosaici che la decorano è opera di un team di artigiane, guidate da una donna straordinaria.

Cattedrale di Westminster, esterno, Londra	Cattedrale di Westminster, interno, Cappella della Madonna

Gertrude Martin, maestra mosaicista, è nata in una famiglia di origine irlandese a Swindon, sud-ovest dell'Inghilterra, ed è stata battezzata il 18 gennaio del 1882. Quarta dei dieci figli di George Martin, impiegato di un broker assicurativo, trascorse la sua infanzia nel quartiere londinese di Croydon. Gertrude, insieme alle sorelle Margaret e Dora, apprese l’arte del mosaico dal maestro George Bridge, che aveva uno studio in Oxford Street. Nessuna delle tre sorelle si sposò, forse perché, come ipotizza uno studioso, non c’erano più partner disponibili dopo la prima guerra mondiale, o forse perché semplicemente non volevano legarsi in un matrimonio, per poter continuare a fare mosaici. Gertrude studiò l’arte musiva a Ravenna, Milano e Venezia, e insieme alla sorella Margaret fu impiegata in alcuni prestigiosi lavori.

Le due sorelle Gertrude e Margaret Martin a lavoro	Ritratto di Gertrude Martin

Questo è un ritratto formale che la raffigura mentre tiene le pinze per mosaici in una mano e quello che sembra essere un pezzo di vetro nell'altra. Nel 1902 George Bridge e le sue ventisei mosaiciste iniziarono un lungo periodo di lavoro nella Cattedrale di Westminster. A Gertrude si deve il pannello con Giovanna d'Arco nel transetto nord, completato nel dicembre 1910, seguito dalla rappresentazione nella cripta interna di Sant'Edmondo che saluta Londra (marzo 1911) e poi dai mosaici nella Cappella del Sacro Cuore, dove ha lavorato fino al 1913.

Gertrude Martin a lavoro in una foto del 1913	Beata Giovanna d’Arco, transetto nord, cattedrale di Westminster, 1910

Nella Cappella della Madonna, a destra del presbiterio, l'altare è incentrato su un mosaico dell'albero della vita, alla sua sinistra sono Maria e un'immagine di Londra, alla sua destra San Pietro e l'immagine della cattedrale. Progettato da Robert Anning Bell, una figura di spicco del Movimento Arts and Craft, e realizzato da Gertrude Martin nel 1912, il mosaico allude a un'ampia gamma di significati e storie bibliche. Uno dei dettagli più interessanti è la presenza di così tanti uccelli ovunque nella cappella. In parte sono usati come decorazione, in parte simboleggiano l’Annunciazione. Secondo lo storico Patrick Rogers, su un totale di 163 uccelli, almeno 44 sono simbolici, altri 18 portano un messaggio e il resto sono…solo uccelli

Mosaico con l'Albero della vita - Cattedrale di Westminster, Cappella della Madonna, 1912	Mosaico della Madonna, Cattedrale di Westminster

Intanto George Bridge si era trasferito a Brighton, dopo le accuse ricevute per non aver rispettato i cartoni dell'artista, e Gertrude ottenne il suo primo incarico come maestra mosaicista. Eseguì ancora nella Cattedrale una pala d'altare e quattro mosaici dei profeti Daniele, Ezechiele, Geremia e Isaia nella Cappella della Madonna nel 1912-13, tutti disegnati da Robert Anning Bell. Del 1914 è l'Annunciazione nella Chiesa di Santa Maria, a Uttoxeter, progettata ed eseguita da Gertrude Martin, dove domina il colore azzurro, simbolo della verginità.

Annunciazione, chiesa di S. Maria, Uttoxeter, 1914

Fu poi a Wilton nel 1920 per una serie di mosaici raffiguranti santi e un mosaico di Cristo Re nella semicupola principale. Di nuovo alla cattedrale di Westminster nel 1921 per decorare le nicchie dei balconi su entrambi i lati dell'abside. Anning Bell continuò a commissionarle lavori per pannelli raffiguranti Sant'Andrea di Scozia (1923) e San Patrizio d'Irlanda (1924) nell'atrio centrale della Camera dei Lord e Santo Stefano e Re Edoardo III a St. Stephen's Hall (1926), lavoro per il quale, su sollecitazione della moglie di Winston Churchill, le fu concessa una piccola pensione dalla Royal Charities. Nel corso del XIX secolo con la diffusione del Gothic Revival si auspicava un ritorno a principi decorativi del Medio Evo e in particolare a quelli bizantini. Il nuovo palazzo del parlamento a Londra venne eretto in stile gotico, dopo che il vecchio edificio era stato distrutto nel 1834 da un incendio. La prima pietra fu posata nel 1840 e i lavori durarono fino al 1860. Ma solo tra il 1922 ed il 1924 si procedette al completamento dello schema decorativo della Central Lobby, che venne affidato ad Anning Bel, già conosciuto per le sue opere musive nella Westminster Cathedral. Nei pannelli rappresentanti Sant’Andrea e San Patrizio la forma segue il contorno dell’arco acuto architettonico e la cornice è adorna di elementi fitomorfi. Sant’Andrea, patrono della Scozia, è raffigurato al centro della composizione, circondato da due santi e indossa una tunica bianca e azzurra; con la mano sinistra afferra un bastone mentre sul braccio destro porta una rete, essendo stato il santo un pescatore. Sullo sfondo la croce a forma di x allude al suo martirio; ai piedi del santo appare la scritta che chiarifica il soggetto dell’opera, nella parte sottostante sono raffigurati i simboli della croce capovolta, al centro un fiore, tipico della Scozia, a destra uno scudo dorato con al centro un leone.

Sant'Andrea di Scozia, atrio centrale della Camera dei Lord

Il pannello raffigurante San Patrizio, patrono dell’Irlanda, è chiuso dalla rappresentazione di due colonne con basi e capitelli dorati; anche San Patrizio è circondato da due santi, sullo sfondo in basso appaiono delle rocce e il mare a simboleggiare il territorio irlandese. Per il Palazzo di Westminster Bell disegnò anche i cartoni per i mosaici della sala di Santo Stefano raffiguranti Re Eduardo il Confessore, a cui si deve la prima costruzione del palazzo e re Eduardo III, collocati l’uno di fronte all’altro. Edoardo il Confessore è raffigurato mentre ordina e dirige i lavori di costruzione del palazzo, e ai suoi lati ingegneri e architetti inginocchiati con i loro progetti di costruzione. Tra il 1928 e il 1934 Gertrude e Margaret lavorarono alla Cattedrale di Sant'Anna, a Belfast, imponente basilica anglicana ricca di opere d'arte e splendidi mosaici. Fu costruita ai primi del Novecento al posto di una chiesa precedente del XVIII secolo. Le due sorelle realizzarono mosaici nella cupola del Battistero, nella Cappella dello Spirito Santo, nel timpano sopra le porte e il murale di San Patrizio sopra l'ingresso della Cappella dello Spirito Santo.

Cattedrale di Sant'Anna, Belfast	Mosaico di San Patrizio, Cappella dello Spirito Santo, Cattedrale di Sant’Anna, Belfast

Lo spettacolare mosaico di S. Patrizio contiene più di 150.000 pezzi: il santo sta al centro della parte superiore, vestito da vescovo e tiene in mano un trifoglio, che simboleggia la Trinità, tre persone, Padre, Figlio e Spirito Santo, un solo Dio. La figura di San Patrizio è legata al trifoglio, emblema nazionale irlandese, in quanto si narra che attraverso di esso il santo avrebbe spiegato agli irlandesi il concetto cristiano della Trinità, sfogliando le piccole foglie del trifoglio legate ad un unico stelo. La donna a sinistra, bendata e ammanettata, rappresenta l'Irlanda pagana; sassi e cardi punteggiano il paesaggio e il cielo è scuro. Sul nastro che tiene si legge: "Dalle profondità ti ho chiamato". L'altra donna, libera e in piedi, in una scena fortemente illuminata, è l'Irlanda cristiana, illuminata dalla luce del Vangelo. Il suo nastro dice "I miei occhi hanno visto la tua salvezza". Sotto, S. Patrizio è in piedi sulla prua della sua nave, sul fondo le montagne del Mourne, dove al suo arrivo sorge un nuovo giorno, quello del cristianesimo. La cupola del battistero mostra la mano di Dio che benedice la sua creazione, rappresentata dai quattro elementi classici, acqua, terra, aria e fuoco.

Mosaico della cupola del Battistero, Cattedrale di Sant'Anna, Belfast

L'ultimo incarico di Gertrude fu quello di decorare la Cappella della Madonna della Wilton Church, dove già aveva lavorato anni prima, con un motivo che alterna immagini bibliche a motivi geometrici. La chiesa di Wilton, intitolata a San Nicola e a S. Mary, costruita fra 1841 e 1844 nello stile romanico con influenze bizantine, è nota come chiesa all’italiana, per tutti i riferimenti che vi si trovano a chiese italiane.

Interno di San Nicola e S. Mary, Wilton Church

Mentre Gertrude era impegnata in questo progetto, nel 1947 si ruppe una gamba e trascorse molto tempo in ospedale prima di completare il lavoro nel 1948-49. Tre anni dopo, nel febbraio 1952, all'età di settant’ anni, morì serenamente nel sonno nella sua casa di Brixton.

La Catedral de Westminster, que no hay que confundir con la abadía de Westminster, es una de las iglesias católicas más importantes de Londres. Construida entre 1895 y 1903 en estilo neorrománico y con numerosas referencias al arte bizantino, cuenta con mosaicos luminosos y detallados, ya que se elaboró desde el principio con el objetivo de ser un escaparate para el arte del mosaico. Sin embargo, pocos saben que la mayoría de los mosaicos que la decoran es obra de un equipo de artesanas guiadas por una mujer extraordinaria.

Catedral de Westminster, exterior, Londra	Catedral de Westminster, interior, Capilla de la Virgen

Gertrude Martin, maestra de mosaico, nació en una familia de origen irlandés en Swindon, en el sudoeste de Inglaterra, y fue bautizada el 18 de enero de 1882. Cuarta de diez hijos de George Martin, empleado en una agencia de seguros, transcurrió su niñez en el barrio londinense de Croydon. Gertrude, junto con sus hermanas Margaret y Dora, aprendió el arte del mosaico de su maestro George Bridge, que tenía un taller en Oxford Street. Ninguna de las tres hermanas se casó, quizás porque no había más hombres disponibles después de la Primera Guerra Mundial, como supone un estudioso, o quizás porque simplemente no querían que las obligaciones matrimoniales les impidieran seguir realizando mosaicos. Gertrude estudió el arte del mosaico en Ráavena, Milán y Venecia y, junto con su hermana Margaret, se dedicó a trabajos prestigiosos.

Las dos hermanas Gertrude y Margaret aen el trabajo	Retrato de Gertrude Martin

Este es un retrato formal que la representa sosteniendo las pinzas de mosaico en una mano y lo que parece un trozo de cristal en la otra. En 1902, George Bridge y sus veintiséis mosaiquistas empezaron un largo periodo de trabajo en la Catedral de Westminster. A Gertrude se deben el panel con Juana de Arco del crucero norte, terminado en el mes de diciembre de 1910, la representación de San Edmundo en la cripta interior saludando a la ciudad de Londres (marzo 1911) y, en fin, los mosaicos de la Capilla del Sagrado Corazón en la que trabajó hasta 1913.

Gertrude Martin trabajando. Foto de 1913	La beata Juana de Arco, crucero norte, Catedral de Westminster, 1910

En la Capilla de la Virgen, a la derecha del presbiterio, el altar muestra un mosaico del Árbol de la vida. A su izquierda están María y una imagen de Londres y a su derecha aparecen San Pedro y el retrato de la Catedral. Proyectado por Robert Anning Bell, una figura destacada del Movimiento Arts and Crafts, y realizado por Gertrude Martin en 1912, el mosaico hace alusión a una amplia variedad de temas y relatos bíblicos. Entre los detalles más interesantes destaca el gran número de pájaros representados por todas partes al interior de la Capilla, que por un lado sirven de decoración, y por el otro simbolizan el momento de la Anunciación. Según el historiador Patrick Rogers, de un total de 163 pájaros, 44 son simbólicos, 18 llevan un mensaje y los demás son sólo pájaros.

Mosaico del Árbol de la vida – Catedral de Westminster, Capilla de la Virgen, 1912	Mosaico de la Virgen, Catedral de Westminster

Mientras tanto, George Bridge se había mudado a Brighton, después de ser acusado de no haber respetado los cartones del artista, y Gertrude obtuvo su primer encargo como maestra mosaiquista. Entre 1912 y 1913, realizó, también para la Catedral y al interior de la Capilla de la Virgen, un retablo y cuatro mosaicos dedicados a los profetas Daniel, Ezequiel, Jeremías e Isaías, todos dibujados por Robert Anning Bell. Además, se remonta al año 1914 el mosaico de la Anunciación, que Gertrude Martin proyectó y realizó para la Iglesia de Santa María, en Uttoxeter. En este mosaico prevalece el color azul, símbolo de virginidad.

Anunciación, Iglesia de S. María, Uttoxeter, 1914

Martin luego fue a Wilton, en 1920, para realizar una serie de mosaicos que representaban santos y un mosaico que mostraba la figura de Cristo Rey en la media cúpula principal. En 1921, volvió a la Catedral de Westminster para decorar los nichos de los balcones en ambos lados del ábside. Anning Bell siguió encargándole trabajos para la realización de paneles que representaban San Andrés de Escocia (1923) y San Patricio de Irlanda (1924) para el atrio central de la Cámara de los Lores y otros mosaicos que mostraban las figuras de San Esteban y de Rey Eduardo III que realizó en St. Stephen’s Hall (1926). Gracias a este último trabajo y a la intervención de la esposa de Winston Churchill, Martin recibió una pequeña pensión por parte de la Royal Charities. Durante el siglo XIX, con la difusión del Renacimiento Gótico, se invitaba a volver a los principios decorativos de la Edad Media y, de particular manera, a los bizantinos. El nuevo Palacio del Parlamento en Londres fue construido en estilo gótico, después de que el viejo edificio fuera destruido a causa de un incendio en 1834. La primera piedra se colocó en 1840 y las obras duraron hasta 1860. Sin embargo, sólo entre 1922 y 1924 se procedió a finalizar el esquema decorativo de la Central Lobby, trabajo que fue confiado a Anning Bell, ya conocido por sus mosaicos de la Catedral de Westminster. En los paneles que representan a San Andrés y San Patricio, la forma sigue el contorno del arco agudo y el marco está adornado con elementos fitomorfos. San Andrés, patrón de Escocia, está representado en el centro de la composición rodeado de dos santos y lleva una túnica blanca y azul; con su mano izquierda coge un bastón y en su brazo derecho hay una red, habiendo sido él un pescador. En el fondo, la cruz en forma de x hace alusión a su martirio, a los pies del santo aparece una inscripción que aclara el tema de la obra, en la parte de abajo están representados los símbolos de la cruz invertida, en el centro hay una flor, típica de Escocia, a la derecha un escudo dorado y en el centro un león.

San Andrés de Escocia, atrio central de la Cámara de los Lores

El panel que representa a San Patricio, patrón de Irlanda, se vislumbra entre dos columnas con las bases y los capiteles de oro. San Patricio también está rodeado por dos santos y en el fondo, hacia abajo, aparecen unas rocas y el mar que simbolizan el territorio irlandés. Para el palacio de Westminster Bell dibujó también los cartones que servían para realizar los mosaicos de St. Stephen’s Hall, que representaban al Rey Eduardo el Confesor, a quien se debe la primera construcción del palacio, y al Rey Eduardo III, colocados el uno frente al otro. Eduardo el Confesor está representado mientras ordena y dirige las obras de construcción del palacio y a sus lados, arrodillados, hay unos ingenieros y arquitectos con sus proyectos de construcción. Entre 1928 y 1934, Gertrude y Margaret trabajaron en la Catedral de Santa Ana, en Belfast, una imponente basílica anglicana llena de obras de arte y espléndidos mosaicos. Se construyó a principios del siglo XX en lugar de una iglesia que se remontaba al siglo XVIII. Las dos hermanas realizaron mosaicos para la cúpula del Baptisterio, en la Capilla del Espíritu Santo, en el frontón sobre las puertas, y el mural de San Patricio encima de la entrada de la misma Capilla.

Catedral de Santa Ana, Belfast	Mosaico de San Patricio, Capilla del Espíritu Santo, Catedral de Santa Ana, Belfast

El espectacular mosaico de San Patricio contiene más de 150.000 azulejos: el Santo está en el centro de la parte superior, vestido de obispo y en la mano tiene un trébol que simboliza la Trinidad, tres personas, Padre, Hijo y Espíritu Santo, un único Dios. La figura de San Patricio está relacionada con el trébol, emblema nacional irlandés, porque se dice que a través de este el Santo les explicó a los irlandeses el concepto cristiano de la Trinidad, hojeando las pequeñas hojas del trébol atado a un único tallo. La mujer a la izquierda, vendada y encadenada, representa a la Irlanda pagana; piedras y cardos puntean el paisaje y el cielo está oscuro. En la banda que tiene en sus manos leemos: “Te llamé desde las profundidades”. La otra mujer, libre y de pie, en un fondo muy iluminado, representa la Irlanda cristiana alumbrada por la luz del Evangelio. Su banda dice: “Mis ojos han visto tu salvación”. En la parte inferior, San Patricio está de pie en la proa de su embarcación, en el fondo están las montañas del Mourne donde con su llegada amanece un nuevo día, el día del Cristianismo. La cúpula del Baptisterio muestra la mano de Dios que bendice su creación, representada por los cuatro elementos clásicos: agua, tierra, aire y fuego.

Mosaico de la cúpula del Baptisterio, Catedral de Santa Ana, Belfast

El último encargo de Gertrude consistió en decorar la Capilla de la Virgen de la Iglesia de Wilton - donde ya había trabajado años antes - con un motivo que alternaba imágenes bíblicas con patrones geométricos. La Iglesia de Wilton, dedicada a San Nicolás y a Santa María, construida entre 1841 y 1844 en estilo románico con influencias bizantinas, es conocida como “iglesia a la italiana”, porque en ella se encuentran muchas referencias a las iglesias italianas.

Parte interior de San Nicolás y Santa María, Iglesia de Wilton

Mientras Gertrude estaba ocupada en este proyecto, en 1947, se rompió una pierna y transcurrió mucho tiempo en el hospital antes de terminar el trabajo en 1948-49. Tres años más tarde, en el mes de febrero de 1952, a la edad de setenta años, falleció serenamente mientras dormía en su casa de Brixton.

Westminster Cathedral, not to be confused with Westminster Abbey, is one of London's most important Catholic churches, built between 1895 and 1903 in the Neo-Romanesque style, with numerous references to Byzantine art. It sports bright and detailed mosaics, having been conceived from the beginning as a showcase for mosaic art. Few know, however, that many of the mosaics that decorate it are the work of a team of female artisans, led by an extraordinary woman.

Westminster Cathedral, exterior, London	Westminster Cathedral, interior, Lady Chapel, London

Gertrude Martin, a master mosaicist, was born into a family of Irish descent in Swindon, southwest England, and was baptized on January 18, 1882. The fourth of ten children of George Martin, an insurance broker's clerk, she spent her childhood in the London neighborhood of Croydon. Gertrude, along with her sisters Margaret and Dora, learned the art of mosaic from master George Bridge, who had a studio on Oxford Street. None of the three sisters married, perhaps because, as one scholar speculates, there were no partners available after World War I, or perhaps because they simply did not want to bind themselves in a marriage so that they could continue making mosaics. Gertrude studied mosaic art in Ravenna, Milan and Venice, and together with her sister Margaret was employed in some prestigious works.

The two sisters Gertrude and Margaret Martin at work	Portrait of Gertrude Martin (This is a formal portrait showing her holding mosaic tongs in one hand and what appears to be a piece of glass in the other.)

In 1902 George Bridge and his twenty-six mosaicists began a long period of work at Westminster Cathedral. Gertrude is credited with the panel with Joan of Arc in the north transept, completed in December 1910, followed by the depiction in the inner crypt of St. Edmund greeting London (March 1911) and then the mosaics in the Chapel of the Sacred Heart, where she worked until 1913.

Gertrude Martin at work in a photo from 1913	Blessed Joan of Arc, north transept, Westminster Cathedral, 1910

In the Chapel of Our Lady, to the right of the chancel, the altar is centered on a mosaic of the tree of life, to its left are Mary and an image of London, to its right St. Peter and an image of the cathedral. Designed by Robert Anning Bell, a leading figure in the Arts and Craft Movement, and executed by Gertrude Martin in 1912, the mosaic alludes to a wide range of biblical meanings and stories. One of the most interesting details is the presence of so many birds everywhere in the chapel. Partly they are used as decoration, partly they symbolize the Annunciation. According to historian Patrick Rogers, out of a total of 163 birds, at least 44 are symbolic, another 18 carry a message, and the rest are... just birds.

Mosaic with the Tree of Life - Westminster Cathedral, Lady Chapel, 1912	Mosaic of the Madonna, Westminster Cathedral

Meanwhile, George Bridge had moved to Brighton after complaints he received for not respecting the artist's drawings, and Gertrude got her first commission as a master mosaicist. She still executed an altarpiece in the Cathedral and four mosaics of the prophets Daniel, Ezekiel, Jeremiah and Isaiah in the Lady Chapel in 1912-13, all designed by Robert Anning Bell. From 1914 is the Annunciation in St. Mary's Church, Uttoxeter, designed and executed by Gertrude Martin, where the color blue, the symbol of virginity, dominates.

Annunciation, St. Mary's Church, Uttoxeter, 1914

She was then at Wilton in 1920 for a series of mosaics depicting saints and a mosaic of Christ the King in the main semi-dome. Back to Westminster Cathedral in 1921 to decorate the balcony niches on either side of the apse. Robert Anning Bell continued to commission work for panels depicting St. Andrew of Scotland (1923) and St. Patrick of Ireland (1924) in the central atrium of the House of Lords and St. Stephen and King Edward III in St. Stephen's Hall (1926), work for which, at the urging of Winston Churchill's wife, she was granted a small pension from the Royal Charities. During the 19th century with the spread of the Gothic Revival there was a desire for a return to decorative principles of the Middle Ages and particularly Byzantine ones. The new parliament building in London was erected in the Gothic style after the old building had been destroyed by fire in 1834. The foundation stone was laid in 1840 and work lasted until 1860. But it was not until 1922 to 1924 that the decorative scheme of the Central Lobby was completed, which was entrusted to Anning Bel, already known for his mosaic work in Westminster Cathedral. In the panels representing St. Andrew and St. Patrick, the form follows the contour of the architectural pointed arch and the frame is adorned with phytomorphic elements. St. Andrew, patron saint of Scotland, is depicted in the center of the composition, surrounded by two saints and wearing a blue and white tunic; with his left hand he grasps a staff while on his right arm he carries a net, the saint having been a fisherman. In the background the x-shaped cross alludes to his martyrdom; at the saint's feet appears the inscription that clarifies the subject of the work; in the part below are the symbols of the inverted cross, in the center a flower, typical of Scotland, and on the right a golden shield with a lion in the center.

St. Andrew of Scotland, central atrium of the House of Lords

The panel depicting St. Patrick, the patron saint of Ireland, is closed by the representation of two columns with gilded bases and capitals; St. Patrick is also surrounded by two saints; rocks and the sea appear in the background at the bottom to symbolize the Irish territory. For the Palace of Westminster Bell also drew designs for the mosaics in St. Stephen's Hall depicting King Edward the Confessor, who is credited with the first construction of the palace, and King Edward III, placed opposite each other. Edward the Confessor is depicted ordering and directing construction work on the palace, and at his sides kneeling engineers and architects with their construction plans. Between 1928 and 1934 Gertrude and Margaret worked on St. Anne's Cathedral in Belfast, an imposing Anglican basilica rich in artwork and beautiful mosaics. It was built in the early 1900s on the site of an earlier 18th-century church. The two sisters created mosaics in the dome of the Baptistery, the Chapel of the Holy Spirit, the tympanum above the doors, and the mural of St. Patrick above the entrance to the Chapel of the Holy Spirit.

St. Anne's Cathedral, Belfast	Patrick mosaic, Chapel of the Holy Spirit, St. Anne's Cathedral, Belfast

The spectacular mosaic of St. Patrick contains more than 150,000 pieces. The saint stands in the center of the upper part, dressed as a bishop and holding a shamrock, symbolizing the Trinity, three persons, Father, Son and Holy Spirit, one God. The figure of St. Patrick is linked to the shamrock, Ireland's national emblem, as the saint is said to have explained the Christian concept of the Trinity to the Irish through it, by referring to the small leaves of the clover tied to a single stem. The woman on the left, blindfolded and handcuffed, represents pagan Ireland; stones and thistles dot the landscape, and the sky is dark. The ribbon she holds reads, “From the depths I have called you.” The other woman, free and standing in a strongly lit scene, is Christian Ireland, illuminated by the light of the Gospel. Her ribbon reads, “My eyes have seen your salvation.” Below, St. Patrick stands on the prow of his ship, in the background the Mourne Mountains, where a new day, that of Christianity, dawns upon his arrival. The dome of the baptistery shows the hand of God blessing his creation, represented by the four classical elements, water, earth, air and fire.

Mosaic of the baptistery dome, St. Anne's Cathedral, Belfast

Gertrude's last commission was to decorate the Chapel of the Madonna of Wilton Church, where she had worked years earlier, with a motif alternating biblical images with geometric patterns. Wilton Church, named after St. Nicholas and St. Mary, built between 1841 and 1844 in the Romanesque style with Byzantine influences, is known as an Italianate church because of all the references there to Italian churches.

Interior of St. Nicholas and St. Mary's, Wilton Church

While Gertrude was engaged in this project, she broke her leg in 1947 and spent much time in the hospital before completing the work in 1948-49. Three years later, in February 1952, at the age of seventy, she died peacefully in her sleep at her home in Brixton.

Ines Morigi Berti
Danila Baldo

Martina Zinni

Ines Morigi Berti è stata una rinomata artista del mosaico nata a Prato Carnico, in provincia di Udine il 20 aprile 1914 e deceduta il 26 ottobre 2014 all'età di 100 anni, compiuti in primavera. La sua vita è stata ricordata, nelle numerose celebrazioni per il centenario, come un'ode alla bellezza e alla creatività, caratterizzata da una dedizione straordinaria all'arte antica del mosaico, che ha saputo insegnare, far amare ed esportare in tutto il mondo. Viene ricordata come una donna straordinaria, una tessitrice di storie fatte di mosaico, il cui nome risuonava come una melodia nella città di Ravenna.

Dalla provincia di Udine, infatti, Ines si era trasferita ben presto a Ravenna, dove aveva iniziato la sua formazione artistica presso l'Accademia di Belle Arti. È qui che si era sviluppata la sua passione per il mosaico sotto la guida di maestri come Gino Signorini. Il suo talento si manifestò precocemente, tanto che negli anni '30 collaborò con artisti del calibro di Mario Sironi e Achille Funi, realizzando opere di straordinaria bellezza. Durante gli anni '30 e '40, Ines collaborava con artiste e artisti di spicco, contribuendo al restauro di importanti opere musive ravennati come il battistero Neoniano e la basilica di San Vitale. In questi anni contribuì al restauro di molti altri preziosi mosaici a Ravenna, restituendo loro l'antico splendore.

Antonio Rocchi, progetto e disegno ines Morigi Berti, mosaico I combattenti della fede, 1965, collezione Museo Tamo Ravenna

La sua carriera ebbe una svolta negli anni '50 quando partecipò alla creazione di copie di mosaici ravennati per una mostra itinerante che girò il mondo, portando così il suo lavoro a un pubblico internazionale, dall'Egitto alla Finlandia, dagli Stati Uniti al Giappone. Questa esperienza la portò a collaborare con artisti di fama mondiale come Georges Bracque, Joan Mirò, Balthus (pseudonimo di Balthasar Kłossowski de Rola) e Massimo Campigli (pseudonimo di Max Ihlenfeld). La sua maestria nel manipolare tessere e creare composizioni intricate e suggestive attirava l'attenzione del mondo artistico e della critica d’arte di tutto il mondo. La sua fama si è estesa dunque ben oltre i confini italiani, con mostre ed esposizioni in Europa e oltre oceano. Le sue opere sono state ammirate e acclamate, oltre che per la loro bellezza, per la maestria tecnica e la profondità emotiva.

Omaggio a Campigli

I mosaici sulle grandi colonne nella sede della Camera di commercio di Ravenna ancora oggi risplendono di colori e maestosità e l’opera è stata ricordata con orgoglio e grande apprezzamento dal presidente Natalino Gigante, durante le celebrazioni per il centenario, mentre il vicesindaco Giannantonio Mingozzi proponeva che fosse testimoniata e raccontata negli spazi restaurati di palazzo Rasponi dalla Teste. La realizzazione è stata attuata da Ines Morigi Berti nel 1956, su cartone di Antonio Rocchi, anch’esso allievo di Severini, come Libera Musiano, Giuseppe Salietti, Eda Pratella e altre/i artisti che andranno a formare il Gruppo dei mosaicisti dell’Accademia. Ines divenne una figura di spicco nell'ambiente accademico, perché non solo eccelleva nell'arte pratica del mosaico, ma era anche una didatta apprezzata. Fu infatti una delle prime insegnanti dell'Istituto d'Arte per il Mosaico "Gino Severini", che prendeva il nome da quello che era stato il suo maestro. La sua influenza pedagogica contribuì alla formazione di molteplici generazioni di mosaiciste e mosaicisti, trasmettendo loro la sua conoscenza e la sua passione per il mestiere, molti e molte delle quali sono diventate a loro volta artiste di rilievo. Sapeva trasmettere la sua passione e il suo sapere a chiunque avesse la fortuna di incontrarla.

Anche Sara Vasini, giovane artista ravennate, ha reso omaggio alla Maestra –che, riservata e silenziosa, aveva cambiato la sua vita con la sua saggezza e la sua grazia – con queste parole, scritte di getto la domenica mattina del 26 Ottobre 2014, in un blog dal titolo Ogni taglio sulle tue mani ha un perché:

«Questa notte è venuta a mancare la cara Ines Morigi Berti. È stata la mia Maestra di Mosaico. Tessera delle mie tessere. Quando ero piccola mi accolse in casa sua. Una porta in una piccola viuzza di Ravenna, protetta. Mi ritrovai in una casa, che non era casa, ma Mondo. Non avevo mai visto la casa di un’Artista in vita mia. Mi sorprese il fatto che il salotto era uno studio. Una libreria con molti testi – ricordo in particolare un grande volume su Pontormo. Severa, silenziosa, elegantissima… Non ho mai più avuto l’onore di trovarmi al cospetto di tanta Grazia. Con capelli ordinati, di un Deserto Rosso sbiadito, non sorrideva e rigorosa tendeva alla semplicità e alla Purezza: l’Astrazione degli sguardi tesserati, Bizantini, l’avevano contaminata. Mi disse che era molto stanca, ma che le poche ore di lucidità ed energia le utilizzava per fare mosaico. Le chiesi perché trasfigurava quadri altrui invece di creare qualcosa di suo proprio. Mi rispose: “Nella vita puoi avere solo una Passione, perché ti devi dare a Lei completamente”. Ineffabile incanto. Da quel giorno, tutti i giorni della mia vita penso a questa frase. Penso a Lei, Maestra e spinta che mi ha dato forza quando non ne avevo veramente più. Mi sarebbe piaciuto incontrarla ancora, ma il caso ha voluto che no, non ci saremmo mai più riviste. Una mia serie di mosaici You just sit there wishing you still make love sono stati ideati e composti pensando a Lei. Le avrei sempre voluto chiedere una critica su quella ricerca, le avrei voluto regalare un pezzo di quella ricerca, a lei mia più grande ispirazione. Sono profondamente triste, con un cuore spezzato a metà – lo potrei rincollare con un po’ di cemento, ma manca una tesserina, la più Bella. […] Indiscussa tesserina dorata che ha illuminato la mia vita, e che lo farà sempre, fino all’ultimo dei miei giorni».

I numerosissimi eventi organizzati per i cento anni di Ines sono stati accompagnati da una pubblicazione bilingue, italiano e inglese, con testi del sindaco di Ravenna Fabrizio Matteucci e dell'assessora alla Cultura Ouidad Bakkali, insieme a tante altre testimonianze. La pubblicazione (editrice Stear, 150 immagini,156 pagine) racconta e documenta la vita dell’artista che in cento anni ha realizzato migliaia di mosaici distribuiti nei quattro continenti. Due mostre sono state allestite in Francia: una presso la Maison de la Mosaique Contemporaine di Paray-le-Monial, Lo zodiaco; un’altra a Chartres, nella Chiesa di St Eman, I Mosaici di Ines Morigi Berti e quelli dei suoi allievi a confronto.

Ines Morigi Berti e i suoi allievi	Opera esposta alla Cappella di Saint-Eman	I Nuotatori, di Morigi Berti Ines, 1947 - 1948, XX secolo, mosaico policromo

Nell’ambito del Festival del Mosaico del 2017, la V edizione della Rassegna Biennale di Mosaico Contemporaneo, che ha richiamato in città opere e artiste/i di tutto il mondo, ha ospitato una mostra con i 12 mosaici di Ines Morigi Berti, che riproducono i segni zodiacali.

Ines Morigi Berti, Zodiaco Pesci - Ravenna, Palazzo Rasponi. I segni dello zodiaco	Lo Zodiaco, Ines Morigi Berti

La sua dedizione all'arte del mosaico è stata costante per tutta la vita, dimostrando una straordinaria versatilità e creatività nel lavoro. Anche nei suoi ultimi anni, Ines aveva continuato a lavorare con passione e impegno, mantenendo viva la sua arte e ispirando coloro che l'avevano conosciuta. La sua scomparsa nel 2014 ha lasciato un vuoto nel mondo dell'arte, ma il suo lascito artistico e il suo impatto duraturo rimangono un punto di riferimento per le generazioni future di artiste e artisti del mosaico.

Ines Morigi Berti était une artiste mosaïste renommée, née à Prato Carnico, dans la province d'Udine, le 20 avril 1914 et décédée le 26 octobre 2014 à l'âge de 100 ans, atteint au printemps. Sa vie a été commémorée, lors des nombreuses célébrations du centenaire, comme une ode à la beauté et à la créativité, caractérisée par un dévouement extraordinaire à l'art antique de la mosaïque, qu'elle a su enseigner, faire aimer et exporter dans le monde entier. On se souvient d'elle comme d'une femme extraordinaire, une tisserande d'histoires faites de mosaïques, dont le nom résonnait comme une mélodie dans la ville de Ravenne.

Originaire de la province d'Udine, Ines s'était en effet rapidement installée à Ravenne, où elle avait commencé sa formation artistique à l'Académie des Beaux-Arts. C'est là qu'elle avait développé sa passion pour la mosaïque sous la direction de maîtres tels que Gino Signorini. Son talent s'est manifesté très tôt, à tel point que dans les années 30, elle a collaboré avec des artistes de renom tels que Mario Sironi et Achille Funi, réalisant des œuvres d'une beauté extraordinaire. Au cours des années 30 et 40, Ines a collaboré avec des artistes de renom, contribuant à la restauration d'importantes œuvres de mosaïque à Ravenne, telles que le baptistère Neoniano et la basilique San Vitale. Au cours de ces années, elle a contribué à la restauration de nombreuses autres mosaïques précieuses à Ravenne, leur redonnant leur splendeur d'antan.

Antonio Rocchi, projet et dessin d’Ines Morigi Berti, mosaïque Les combattants de la foi, 1965, collection Musée Tamo, Ravenne

Sa carrière a pris un tournant dans les années 50 lorsqu'elle a participé à la création de copies de mosaïques de Ravenne pour une exposition itinérante qui a fait le tour du monde, présentant ainsi son travail à un public international, de l'Égypte à la Finlande, des États-Unis au Japon. Cette expérience l'a amenée à collaborer avec des artistes de renommée mondiale tels que Georges Bracque, Joan Mirò, Balthus (pseudonyme de Balthasar Kłossowski de Rola) et Massimo Campigli (pseudonyme de Max Ihlenfeld). Sa maîtrise dans la manipulation des tesselles et la création de compositions complexes et suggestives a attiré l'attention du monde artistique et des critiques d'art du monde entier. Sa renommée s'est donc étendue bien au-delà des frontières italiennes, avec des expositions en Europe et outre-mer. Ses œuvres ont été admirées et acclamées, non seulement pour leur beauté, mais aussi pour leur maîtrise technique et leur profondeur émotionnelle.

Hommage à Campigli

Les mosaïques sur les grandes colonnes du siège de la Chambre de commerce de Ravenne brillent encore aujourd'hui de leurs couleurs et de leur majesté, et l'œuvre a été rappelée avec fierté et une grande appréciation par le président Natalino Gigante, lors des célébrations du centenaire, tandis que le maire adjoint Giannantonio Mingozzi proposait qu'elle soit témoignée et racontée dans les espaces restaurés du palais Rasponi dalla Teste. La réalisation a été effectuée par Ines Morigi Berti en 1956, d'après une esquisse d'Antonio Rocchi, lui aussi élève de Severini, tout comme Libera Musiano, Giuseppe Salietti, Eda Pratella et d'autres artistes qui formeront le Groupe des mosaïstes de l'Académie. Ines est devenue une figure de proue dans le milieu universitaire, car non seulement elle excellait dans l'art pratique de la mosaïque, mais elle était également une enseignante appréciée. Elle a en effet été l'une des premières enseignantes de l'Institut d'art de la mosaïque « Gino Severini », qui portait le nom de celui qui avait été son maître. Son influence pédagogique a contribué à la formation de plusieurs générations de mosaïstes, auxquels elle a transmis son savoir et sa passion pour le métier, et dont beaucoup sont devenus à leur tour des artistes de renom. Elle savait transmettre sa passion et son savoir à tous ceux qui avaient la chance de la rencontrer.

Sara Vasini, jeune artiste de Ravenne, a également rendu hommage à la Maestra – qui, discrète et silencieuse, avait changé sa vie par sa sagesse et sa grâce – avec ces mots, écrits d'un trait le dimanche matin du 26 octobre 2014, dans un blog intitulé Ogni taglio sulle tue mani ha un perché (Chaque coupure sur tes mains a une raison) :

«Cette nuit, notre chère Ines Morigi Berti nous a quittés. Elle était mon professeur de mosaïque. Une pièce de mon puzzle. Quand j'étais petite, elle m'a accueillie chez elle. Une porte dans une petite ruelle de Ravenne, à l'abri. Je me suis retrouvée dans une maison qui n'était pas une maison, mais un monde. Je n'avais jamais vu la maison d'un artiste de ma vie. J'ai été surprise de voir que le salon était un atelier. Une bibliothèque avec de nombreux ouvrages – je me souviens en particulier d'un grand volume sur Pontormo. Sévère, silencieuse, très élégante... Je n'ai plus jamais eu l'honneur de me trouver en présence d'une telle grâce. Avec ses cheveux bien coiffés, d'un rouge désertique délavé, elle ne souriait pas et tendait rigoureusement vers la simplicité et la pureté : l'abstraction des regards mosaïqués, byzantins, l'avait contaminée. Elle m'a dit qu'elle était très fatiguée, mais qu'elle utilisait les quelques heures de lucidité et d'énergie dont elle disposait pour faire des mosaïques. Je lui ai demandé pourquoi elle transfigurait les tableaux des autres au lieu de créer quelque chose qui lui était propre. Elle m'a répondu : « Dans la vie, on ne peut avoir qu'une seule passion, car il faut s'y consacrer entièrement. Un enchantement ineffable. Depuis ce jour, je pense à cette phrase tous les jours de ma vie. Je pense à vous, Maestra, et à l’élan que vous m’avez donné quand je n’en avais vraiment plus. J’aurais aimé vous revoir, mais le hasard a voulu que non, nous ne nous reverrions plus jamais. Ma série de mosaïques You just sit there wishing you still make love a été conçue et composée en pensant à vous. J’aurais toujours voulu vous demander votre avis sur cette recherche, je voudrais vous offrir une partie de cette recherche, à vous qui avez été ma plus grande source d’inspiration. Je suis profondément triste, le cœur brisé en deux – je pourrais le recoller avec un peu de ciment, mais il manque une tesselle, la plus belle. […] Cette tesselle dorée incontestée qui a illuminé ma vie, et qui continuera à le faire jusqu’à la fin de mes jours»..

Les nombreux événements organisés pour le centenaire d’Ines ont été accompagnés d’une publication bilingue, en italien et en anglais, avec des textes du maire de Ravenne Fabrizio Matteucci et de l’adjointe à la culture Ouidad Bakkali, ainsi que de nombreux autres témoignages. La publication (éditions Stear, 150 images, 156 pages) raconte et documente la vie de l’artiste qui, en cent ans, a réalisé des milliers de mosaïques réparties sur quatre continents. Deux expositions ont été organisées en France : une à la Maison de la Mosaïque Contemporaine de Paray-le-Monial, Le Zodiaque ; une autre à Chartres, dans l’église de Saint-Éman, Les mosaïques d’Ines Morigi Berti et celles de ses élèves en confrontation.

Ines Morigi Berti et ses élèves	Œuvre exposée à la Chapelle Saint-Eman	Les Nageurs, d’Ines Morigi Berti, 1947–1948, XXe siècle, mosaïque polychrome

Dans le cadre du Festival du Mosaïque de 2017, la 5ᵉ édition de la Biennale de la Mosaïque Contemporaine, qui a attiré dans la ville des œuvres et des artistes du monde entier, a accueilli une exposition avec les 12 mosaïques d’Ines Morigi Berti, représentant les signes du zodiaque.

Ines Morigi Berti, Zodiaque Poissons – Ravenne, Palais Rasponi. Les signes du zodiaque Le Zodiaque, Ines Morigi Berti	Le Zodiaque, Ines Morigi Berti

Sa dévotion à l’art de la mosaïque a été constante tout au long de sa vie, démontrant une extraordinaire polyvalence et créativité dans son travail. Même dans ses dernières années, Ines a continué à travailler avec passion et engagement, maintenant son art vivant et inspirant toutes celles et ceux qui l’avaient connue. Sa disparition en 2014 a laissé un vide dans le monde de l’art, mais son héritage artistique et son impact durable demeurent une référence pour les générations futures d’artistes de la mosaïque.

Inés Morigi Berti fue una reconocida artista del mosaico nacida en Prato Carnico, en la provincia de Udine, el 20 de abril de 1914 y fallecida el 26 de octubre de 2014 a la edad de 100 años, cumplidos en primavera. Su vida fue recordada, durante las numerosas celebraciones por su centenario, como una oda a la belleza y a la creatividad, caracterizada por una extraordinaria dedicación al antiguo arte del mosaico, que supo enseñar, hacer amar y exportar al mundo entero. Se le recuerda como una mujer extraordinaria, una tejedora de historias hechas de mosaico, cuyo nombre resonaba como una melodía en la ciudad de Rávena.

Proveniente de la provincia de Udine, Inés se trasladó pronto a Rávena, donde comenzó su formación artística en la Academia de Bellas Artes. Fue allí donde se desarrolló su pasión por el mosaico bajo la tutela de maestros como Gino Signorini. Su talento se manifestó tempranamente, tanto que en la década de 1930 colaboró con artistas de la talla de Mario Sironi y Achille Funi, realizando obras de extraordinaria belleza. Durante las décadas de 1930 y 1940, Inés colaboró con artistas destacados, contribuyendo a la restauración de importantes obras mosaicas de Rávena, como el baptisterio Neoniano y la basílica de San Vital. En esos años, contribuyó a la restauración de muchos otros mosaicos valiosos en Rávena, devolviéndoles su antiguo esplendor.

Antonio Rocchi, proyecto y dibujo de Ines Morigi Berti, mosaico Los combatientes de la fe, 1965, colección Museo Tamo, Rávena

Su carrera dio un giro en la década de 1950 cuando participó en la creación de copias de mosaicos de Rávena para una exposición itinerante que recorrió el mundo, llevando su trabajo a un público internacional, desde Egipto hasta Finlandia, desde los Estados Unidos hasta Japón. Esta experiencia la llevó a colaborar con artistas de fama mundial como Georges Braque, Joan Miró, Balthus (seudónimo de Balthasar Kłossowski de Rola) y Massimo Campigli (seudónimo de Max Ihlenfeld). Su maestría para manipular las teselas y crear composiciones intrincadas y sugestivas atraía la atención del mundo artístico y de la crítica de arte a nivel mundial. Su fama se extendió mucho más allá de las fronteras italianas, con exposiciones en Europa y más allá del océano. Sus obras fueron admiradas y aclamadas, no solo por su belleza, sino también por su maestría técnica y profundidad emocional.

Homenaje a Campigli

Los mosaicos en las grandes columnas de la sede de la Cámara de Comercio de Rávena siguen brillando hoy en día con colores y majestuosidad, y la obra fue recordada con orgullo y gran aprecio por el presidente Natalino Gigante, durante las celebraciones por el centenario, mientras que el vicealcalde Giannantonio Mingozzi propuso que fuera testimoniada y contada en los espacios restaurados del palacio Rasponi dalla Testa. La obra fue realizada por Inés Morigi Berti en 1956, sobre cartón de Antonio Rocchi, también alumno de Severini, junto con Libera Musiano, Giuseppe Salietti, Eda Pratella y otros artistas que formarían el Grupo de Mosaicistas de la Academia. Inés se convirtió en una figura destacada en el ámbito académico, no solo por su destreza en el arte práctico del mosaico, sino también como una docente muy apreciada. Fue una de las primeras profesoras del Instituto de Arte para el Mosaico "Gino Severini", que llevaba el nombre de su maestro. Su influencia pedagógica contribuyó a la formación de múltiples generaciones de mosaístas, transmitiéndoles su conocimiento y pasión por el oficio, muchos de los cuales se convirtieron a su vez en artistas de renombre. Sabía transmitir su pasión y su saber a cualquiera que tuviera la suerte de conocerla.

Sara Vasini, joven artista de Rávena, también rindió homenaje a la Maestra, quien, reservada y silenciosa, había cambiado su vida con su sabiduría y gracia, con estas palabras, escritas de golpe la mañana del 26 de octubre de 2014, en un blog titulado Ogni taglio sulle tue mani ha un perché (Cada corte en tus manos tiene una razón):

«Esta noche ha fallecido la querida Inés Morigi Berti. Fue mi Maestra de Mosaico. Tesela de mis teselas. Cuando era pequeña, me acogió en su casa. Una puerta en una pequeña calle de Rávena, protegida. Me encontré en una casa que no era casa, sino Mundo. Nunca había visto la casa de una Artista en mi vida. Me sorprendió que el salón fuera un estudio. Una biblioteca con muchos textos, recuerdo en particular un gran volumen sobre Pontormo. Severísima, silenciosa, elegantísima... Nunca más tuve el honor de estar ante tanta Gracia. Con su cabello ordenado, de un Desierto Rojo desvanecido, no sonreía y rigurosa tendía a la simplicidad y a la Pureza: la Abstracción de las miradas tejidas, Bizantinas, la habían contaminado. Me dijo que estaba muy cansada, pero que las pocas horas de lucidez y energía las utilizaba para hacer mosaico. Le pregunté por qué transfiguraba cuadros ajenos en lugar de crear algo propio. Me respondió: “En la vida puedes tener solo una Pasión, porque debes entregarte a ella por completo”. Encanto inefable. Desde ese día, todos los días de mi vida pienso en esa frase. Pienso en ella, Maestra y fuerza que me dio fuerzas cuando ya no tenía más. Me hubiera gustado encontrarme con ella una vez más, pero el destino quiso que no, que nunca más nos vieramos. Una de mis series de mosaicos You just sit there wishing you still make love fue ideada y compuesta pensando en ella. Siempre habría querido pedirle una crítica sobre esa investigación, le habría querido regalar una pieza de esa investigación, a ella, mi mayor inspiración. Estoy profundamente triste, con el corazón roto a la mitad, podría pegarlo con un poco de cemento, pero falta una tesela, la más Bella. […] Tesela dorada indiscutida que iluminó mi vida, y que siempre lo hará, hasta el último de mis días».

Los numerosos eventos organizados para los cien años de Inés fueron acompañados por una publicación bilingüe, en italiano e inglés, con textos del alcalde de Rávena, Fabrizio Matteucci, y de la concejala de Cultura, Ouidad Bakkali, junto a muchas otras testimonios. La publicación (editorial Stear, 150 imágenes, 156 páginas) narra y documenta la vida de la artista que, en cien años, realizó miles de mosaicos distribuidos en los cuatro continentes. Se organizaron dos exposiciones en Francia: una en la Maison de la Mosaique Contemporaine de Paray-le-Monial, Lo zodiaco; otra en Chartres, en la Iglesia de St Eman, Los Mosaicos de Inés Morigi Berti y los de sus alumnos en comparación.

Ines Morigi Berti y sus alumnos	Obra expuesta en la Capilla de Saint-Eman	Los Nadadores, de Ines Morigi Berti, 1947–1948, siglo XX, mosaico policromo

Dentro del Festival del Mosaico de 2017, la V edición de la Exposición Bienal de Mosaico Contemporáneo, que reunió en la ciudad obras y artistas de todo el mundo, acogió una exposición con los 12 mosaicos de Inés Morigi Berti, que reproducen los signos zodiacales.

Ines Morigi Berti, Zodiaco Piscis – Rávena, Palacio Rasponi. Los signos del zodiaco	El Zodiaco, Ines Morigi Berti

Su dedicación al arte del mosaico fue constante durante toda su vida, demostrando una extraordinaria versatilidad y creatividad en su trabajo. Incluso en sus últimos años, Inés continuó trabajando con pasión y dedicación, manteniendo viva su arte e inspirando a quienes la conocían. Su desaparición en 2014 dejó un vacío en el mundo del arte, pero su legado artístico y su impacto duradero siguen siendo un punto de referencia para las generaciones futuras de artistas del mosaico.

Ines Morigi Berti was a renowned mosaic artist who was born in Prato Carnico, in the province of Udine, Italy on April 20, 1914, and died on October 26, 2014, at the age of 100. Her life has been remembered in the many centennial celebrations as an ode to beauty and creativity, marked by an extraordinary dedication to the ancient art of mosaic, which she was able to teach, make loved and export all over the world. She is remembered as an extraordinary woman, a weaver of stories made of mosaic, and whose name resounded like a melody in the city of Ravenna.

From the province of Udine Ines had soon moved to Ravenna, where she began her artistic training at the Academy of Fine Arts. It was here that her passion for mosaic had developed under the guidance of masters such as Gino Signorini. Her talent manifested itself early on, so much so that in the 1930s she collaborated with the likes of Mario Sironi and Achille Funi, producing works of extraordinary beauty. During the 1930s and 1940s, Ines collaborated with leading artists, contributing to the restoration of important Ravenna mosaic works such as the Neonian baptistery and the basilica of San Vitale. During these years she contributed to the restoration of many other precious mosaics in Ravenna, restoring them to their former glory.

Antonio Rocchi, design and drawing by Ines Morigi Berti, mosaic The Fighters of Faith, 1965, Museo Tamo Collection, Ravenna

Her career took a turn in the 1950s when she participated in creating copies of Ravenna mosaics for a traveling exhibition that toured the world, thus bringing her work to an international audience, from Egypt to Finland, from the United States to Japan. This experience led her to collaborate with such world-renowned artists as Georges Bracque, Joan Miró, Balthus (pseudonym of Balthasar Kłossowski de Rola) and Massimo Campigli (pseudonym of Max Ihlenfeld). Her mastery in manipulating tesserae and creating intricate and evocative compositions attracted the attention of the art world and art critics worldwide. Her fame thus extended far beyond the borders of Italy, with exhibitions and displays in Europe and overseas. Her works were admired and acclaimed not only for their beauty but also for their technical mastery and emotional depth.

Tribute to Campigli

The mosaics on the great columns in the Ravenna Chamber of Commerce headquarters still shine with color and majesty, and the work was recalled with pride and great appreciation by President Natalino Gigante during the centennial celebrations, while Deputy Mayor Giannantonio Mingozzi proposed that it be witnessed and narrated in the restored spaces of Palazzo Rasponi dalla Teste. It was carried out by Ines Morigi Berti in 1956, on a drawing by Antonio Rocchi, also a student of Severini, like Libera Musiano, Giuseppe Salietti, Eda Pratella and other artists who would go on to form the Group of Mosaicists of the Academy. Ines became a prominent figure in the academy because she not only excelled in the practical art of mosaic, but was also an esteemed teacher. In fact, she was one of the first teachers at the “Gino Severini” Mosaic Art Institute, named after the man who had been her teacher. Her pedagogical influence contributed to the training of multiple generations of mosaicists, passing on to them her knowledge and passion for the craft, many of whom went on to become outstanding artists themselves. She knew how to pass on her passion and knowledge to anyone lucky enough to meet her.

Sara Vasini, a young artist from Ravenna, also paid tribute to Morigi Berti - who, reserved and silent, had changed her life with her wisdom and grace - with these words, written out of the blue on Sunday morning, October 26, 2014, in a blog titled Every Cut on Your Hands Has a Reason:

«Tonight dear Ines Morigi Berti passed away. She was my mosaic teacher. The weaver of my fabric. When I was young she welcomed me into her home. A hidden door in a small alley in Ravenna. I found myself in a house, which was not home, but a world. I had never seen the home of an artist in my life. I was surprised that the living room was a studio. A bookcase with many texts - I remember in particular a large volume on Pontormo. Severe, silent, most elegant - I have never again had the honor of being in the presence of such grace. With the tidy hair of a faded Red Desert, she did not smile and rigorously tended to simplicity and purity: the abstraction of the weaved, Byzantine looks had contaminated her. She told me that she was very tired, but that the few hours of lucidity and energy she used to make mosaic. I asked her why she was transfiguring other people's designs instead of creating something of her own. She replied, ‘In life you can only have one passion, because you have to give yourself to it completely.’ Ineffable enchantment. Since that day, every day of my life I think of this sentence. I think of her, teacher and motivator that gave me strength when I really had no more. I would have loved to meet her again, but chance would have it that no, we would never meet again. A series of my mosaics You just sit there wishing you still make love were designed and composed with her in mind. I always wanted to ask her for a critique of that research, I wanted to give her a piece of that research, to her my greatest inspiration. I am deeply sad, with a heart broken in half - I could glue it back together with a bit of cement, but there is a tile missing, the most beautiful one. [...] Undisputed golden tile that has illuminated my life, and always will, until the last of my days».

The numerous events organized for Ines' 100th birthday were accompanied by a bilingual publication, Italian and English, with texts by Ravenna Mayor Fabrizio Matteucci and Culture Councillor Ouidad Bakkali, along with many other testimonies. The publication (Stear publisher, 150 images,156 pages) recounts and documents the life of the artist who in one hundred years created thousands of mosaics distributed on four continents. Two exhibitions were set up in France: one at the Maison de la Mosaique Contemporaine in Paray-le-Monial, The Zodiac; another in Chartres, in the Church of St Eman, The Mosaics of Ines Morigi Berti and those of her students compared.

Ines Morigi Berti and her students	Work exhibited at the Chapel of Saint-Eman	The Swimmers, by Ines Morigi Berti, 1947–1948, 20th century, polychrome mosaic

As part of the 2017 Mosaic Festival, the 5th Biennial Contemporary Mosaic Review, which drew works and artists from all over the world to the city, hosted an exhibition featuring Ines Morigi Berti's 12 mosaics reproducing the signs of the zodiac.

Ines Morigi Berti, Pisces Zodiac – Ravenna, Palazzo Rasponi. The Zodiac Signs	The Zodiac, Ines Morigi Berti

Her dedication to the art of mosaic had been constant throughout her life, demonstrating extraordinary versatility and creativity in her work. Even in her final years, Ines had continued to work with passion and commitment, keeping her art alive and inspiring those who had known her. Her passing in 2014 left a void in the art world, but her artistic legacy and lasting impact remain a landmark for future generations of women and mosaic artists.

Anna Maria Cesarini Sforza
Barbara Belotti

Martina Zinni

 

Annamaria Cesarini Sforza, 1965-1970, Archivio fotografico Regione Lombardia

Annamaria Cesarini Sforza ha avuto una vita lunga ‒ è morta nel 2017 a 96 anni ‒ e un’importante carriera professionale. Eppure, digitando il nome, il motore di ricerca la individua come “moglie di Pietro Cascella”, glissando sul suo lavoro di artista e mosaicista. Invece già all’inizio degli anni Quaranta Annamaria Cesarini Sforza, pur tra le molte difficoltà del periodo storico e gli ostacoli dovuti al suo essere donna, comincia a costruire il proprio percorso artistico. Lo fa seguendo i corsi di decorazione murale del maestro Ferruccio Ferrazzi all’Accademia di Belle Arti di Roma e frequentando gli studi d’autore di via Margutta, in particolar modo il laboratorio di arti applicate di Enrico Galassi, tra i maggiori esperti di arti musive. Gli inizi degli anni Quaranta sono un periodo difficile, in cui scegliere da che parte stare è quasi un obbligo: Annamaria non si tira indietro e, oltre all’arte, sceglie la strada della Resistenza, che le costa arresti e interrogatori a via Tasso. Col secondo dopoguerra l’impegno artistico diventa un percorso unico di ricerca e lavoro. Ancora una volta per lei il punto di riferimento è Enrico Galassi che, nel dicembre del 1944, affitta un'ala di villa Poniatowski a Roma allestendovi il cosiddetto studio di Villa Giulia, un laboratorio di arte applicata a cui collaborano numerosi artisti della scena romana, da Consagra a Leoncillo, da De Chirico a Carrà, solo per citarne alcuni. Anche Annamaria riprende la collaborazione col maestro Galassi e spesso mette in opera i dipinti e i cartoni di altri pittori, come quelli di Gino Severini o di Massimo Campigli.

 

Massimo Campigli, Ritratto di signora, 1947, particolare della decorazione interna del Cinema Metropolitan di Roma, Collezione privata

Per lei il lavoro di mosaicista è «un mestiere senza tempo, un mestiere di pietra» e il mosaico «una genealogia domestica». Il maestro Galassi, che l’ha introdotta alla tecnica musiva, le ha insegnato «come far correre le tessera nel disegno; tu puoi andare incontro al segno con dei triangoli, oppure puoi girargli intorno, oppure puoi interromperti e muovere la tessere in un’altra maniera, è tutto un gioco […] un po’ come il pennello in fondo». Tra una messa in posa e l’altra, Annamaria comincia anche ad accarezzare l’idea di cimentarsi in proprie creazioni e composizioni, da quelle per i piani dei tavoli a soluzioni più “pittoriche” come i pannelli decorativi da collocare all’interno di spazi pubblici, sempre senza porre distinzioni o gerarchie tra l’esecuzione artigianale e l’ideazione artistica: «C’è modo di esprimere la propria personalità anche in un lavoro artigianale; ci vuole intuizione se no è soltanto manovalanza».Nel 1945 Anna Maria Cesarini Sforza sposa lo scultore Pietro Cascella che, col fratello Andrea, ha messo in piedi una bottega artigianale-artistica attiva soprattutto nel campo della ceramica policroma. Come testimonia Pietro Cascella, in una lettera del 1946 a Giò Ponti riportata da Francesca Lombardi nel suo libro Passeggiate romane. Le artiste e la città, «ora abbiamo un forno per la ceramica e uno studio per il mosaico. Tutta la nostra produzione è orientata verso una forma d’artigianato con carattere d’arte, ma al tempo stesso utile». È l’inizio di un intenso sodalizio affettivo e artistico tra Annamaria e Pietro, costellato di importanti interventi.

 

Annamaria Cesarini Sforza, Pietro-Cascella (al centro) e suo fratello Andrea nel loro atelier

La bottega-atelier non si trova nella Roma artistica, tra via Margutta e via del Corso, tra il Caffè Greco e il bar Rosati di piazza del Popolo: è un po’ decentrata (ma comunque a pochi passi dal Vaticano), nel quartiere popolare di Valle Aurelia, comunemente chiamata anche Valle dell’Inferno, dove sorgono numerose fornaci, un tempo attive nella produzione di tegole e mattoni per la Fabbrica di San Pietro, e fino all’inizio del Novecento utilizzate anche per produrre materiale edile per i cantieri di Roma capitale. Negli anni Cinquanta si moltiplicano le occasioni di esperienza ed espressione artistica, il più delle volte in un intreccio di attività tra coniugi difficile da districare per individuare con certezza i singoli contributi. In molti casi si tratta di opere musive per edifici architettonici pubblici ma anche per negozi o palazzine private: nel 1948 la decorazione di una parete del cinema Plaza in via del Corso e nel 1953 un mosaico per il Gran Caffè Berardo nella Galleria Colonna, entrambi andati perduti; sempre negli anni ’50 la decorazione per l’atrio del cinema Mignon, nel quartiere Salario, per l’androne di una palazzina in Viale Trastevere e per un edificio in piazza di Novella.

 

Mosaico nell’androne di un edificio a viale Trastevere, Roma, anni '50

È del 1951 la commissione di una grande mosaico per la stazione Termini, opera firmata sia da Annamaria Cesarini Sforza che da Pietro Cascella e intitolata Allegoria della natura.

Mosaico Allegoria della natura, dopo il 1951, Roma, Stazione Termini, foto di Barbara Belotti

Comincia un certo successo anche internazionale: opere in mosaico e ceramiche di Annamaria vengono esposte alla rassegna Italy at Work. Her Renaissance in Design Today organizzata nel 1950 inizialmente al Brooklin Museum di New York e successivamente in altri musei statunitensi.

Mosaico Allegoria della natura, particolare della firma, Roma, Stazione Termini, foto di Barbara Belotti

Un’opera di quel decennio è tornata alcuni anni fa alla ribalta. Si tratta della decorazione esterna e interna del cinema America, inaugurato nel 1956 nel quartiere di Trastevere a Roma, un altro bell’esempio di felice incontro tra architettura e arti visive caratterizzato da mosaici di intenso cromatismo e forme astratto-geometriche. Alla fine del secolo scorso la decorazione musiva e l’intero stabile si sono trovati in serio pericolo a causa della dismissione del cinema e dei piani di demolizione.

Mosaico dell’atrio del cinema America, Roma, anni '50	Mosaico esterno del cinema America, Roma, anni '50

Le vicende del cinema America e dei giovani studenti mobilitati per salvarlo hanno occupato a lungo, una decina di anni fa, le cronache dei giornali. Nel 2014 Annamaria Cesarini Sforza decide di intervenire scrivendo una lettera al ministro dei Beni Culturali di allora, Dario Franceschini, in appoggio alla presentazione della dichiarazione di interesse culturale per l’edificio presentata dall’Assessore Caudo e da Nicola Zingaretti, Presidente della Regione Lazio. Fino a quel momento i mosaici del cinema America si consideravano opera della sola Annamaria, ma per salvare la struttura la mosaicista decide che è venuto il tempo di precisare: tutta la decorazione musiva deve essere intesa come l’ennesimo lavoro a quattro mani, le sue e quelle del marito scultore Pietro Cascella.

Il cinema viene salvato.

Dopo la crisi matrimoniale negli anni ‘60, Annamaria Cesarini Sforza prosegue la sua attività affiancando l’impegno nella tecnica musiva con altre forme di arte applicata, come il collage, il ricamo, gli arazzi. Ancora una volta artista-artigiana.

 

Annamaria Cesarini Sforza, 1965-1970, Archives photographiques de la Région Lombardie

Annamaria Cesarini Sforza a eu une longue vie – elle est décédée en 2017 à l’âge de 96 ans – et une carrière professionnelle importante. Pourtant, lorsqu’on tape son nom, le moteur de recherche la présente comme « l’épouse de Pietro Cascella », en éludant son travail d’artiste et de mosaïste. Et pourtant, dès le début des années quarante, Annamaria Cesarini Sforza, malgré les grandes difficultés du moment historique et les obstacles liés à sa condition de femme, commence à tracer son propre parcours artistique. Elle le fait en suivant les cours de décoration murale du maître Ferruccio Ferrazzi à l’Académie des Beaux-Arts de Rome, et en fréquentant les ateliers d’artistes de la via Margutta, notamment le laboratoire d’arts appliqués d’Enrico Galassi, l’un des plus grands spécialistes de l’art de la mosaïque. Le début des années quarante est une période difficile, où choisir son camp est presque une obligation : Annamaria ne recule pas et, en plus de l’art, choisit la voie de la Résistance, ce qui lui vaut arrestations et interrogatoires via Tasso. Après la guerre, son engagement artistique devient un véritable parcours de recherche et de travail. Une fois encore, son point de référence est Enrico Galassi qui, en décembre 1944, loue une aile de la villa Poniatowski à Rome et y installe le fameux atelier de Villa Giulia, un laboratoire d’art appliqué où collaborent de nombreux artistes de la scène romaine – de Consagra à Leoncillo, de De Chirico à Carrà, pour n’en citer que quelques-uns. Annamaria reprend sa collaboration avec le maître Galassi et exécute souvent les peintures et les cartons d’autres artistes, comme ceux de Gino Severini ou de Massimo Campigli.

 

Massimo Campigli, Portrait de dame, 1947, détail de la décoration intérieure du cinéma Metropolitan de Rome, collection privée

Pour elle, le métier de mosaïste est «un métier hors du temps, un métier de pierre», et la mosaïque «une généalogie domestique». Le maître Galassi, qui l’a initiée à la technique musive, lui a appris « comment faire courir les tesselles dans le dessin ; on peut aller à la rencontre du trait avec des triangles, ou bien tourner autour, ou encore s’interrompre et faire bouger les tesselles autrement – c’est tout un jeu […] un peu comme le pinceau, au fond».Entre deux poses de mosaïques, Annamaria commence aussi à caresser l’idée de réaliser ses propres créations et compositions : des plateaux de tables jusqu’à des solutions plus “picturales” comme les panneaux décoratifs destinés à des espaces publics, sans jamais établir de hiérarchie entre l’exécution artisanale et la conception artistique :«Il y a moyen d’exprimer sa personnalité même dans un travail artisanal ; il faut de l’intuition, sinon ce n’est que de la main-d’œuvre». En 1945, Anna Maria Cesarini Sforza épouse le sculpteur Pietro Cascella qui, avec son frère Andrea, a fondé un atelier artisanal et artistique actif surtout dans le domaine de la céramique polychrome. Comme en témoigne une lettre de Pietro Cascella adressée à Giò Ponti en 1946, citée par Francesca Lombardi dans son livre Passeggiate romane. Le artiste e la città, «nous avons maintenant un four pour la céramique et un atelier pour la mosaïque. Toute notre production s’oriente vers une forme d’artisanat à caractère artistique, mais en même temps utile». C’est le début d’une intense union affective et artistique entre Annamaria et Pietro, ponctuée de collaborations importantes.

 

Annamaria Cesarini Sforza, Pietro Cascella (au centre) et son frère Andrea dans leur atelier

L’atelier ne se situe pas dans le centre artistique de Rome – entre via Margutta et via del Corso, entre le Caffè Greco et le bar Rosati de la piazza del Popolo – mais dans un quartier plus populaire (à deux pas du Vatican), celui de Valle Aurelia, communément appelée aussi Valle dell’Inferno, où se trouvent de nombreuses briqueteries autrefois actives dans la production de tuiles et de briques pour la Fabbrica di San Pietro, et jusqu’au début du XXe siècle encore utilisées pour fournir les chantiers de la capitale. Dans les années cinquante, les occasions d’expériences et d’expressions artistiques se multiplient, souvent dans un enchevêtrement d’activités entre époux, difficile à démêler pour identifier les contributions de chacun. Dans de nombreux cas, il s’agit d’œuvres en mosaïque pour des édifices publics, mais aussi pour des magasins ou des immeubles privés : en 1948, la décoration d’un mur du cinéma Plaza via del Corso, et en 1953, un grand panneau pour le Gran Caffè Berardo dans la Galleria Colonna, tous deux aujourd’hui disparus ; toujours dans les années 1950, la décoration du hall du cinéma Mignon, dans le quartier Salario, celle du vestibule d’un immeuble du Viale Trastevere, et d’un autre en piazza di Novella.

 

Mosaïque dans le vestibule d’un immeuble du viale Trastevere, Rome, années 1950

En 1951, elle reçoit la commande d’une grande mosaïque pour la gare Termini, œuvre signée à la fois par Annamaria Cesarini Sforza et Pietro Cascella, intitulée Allégorie de la nature.

MosaïqueAllégorie de la nature,après 1951, Rome, gare Termini, photo de Barbara Belotti]

Son succès devient aussi international : des mosaïques et des céramiques d’Annamaria sont exposées à l’exposition Italy at Work. Her Renaissance in Design Today, organisée en 1950 d’abord au Brooklyn Museum de New York, puis dans d’autres musées américains.

MosaïqueAllégorie de la nature, détail de la signature, Rome, gare Termini, photo de Barbara Belotti

Une œuvre de cette décennie est revenue sur le devant de la scène il y a quelques années : la décoration extérieure et intérieure du cinéma America, inauguré en 1956 dans le quartier du Trastevere à Rome – un bel exemple de rencontre réussie entre architecture et arts visuels, caractérisé par des mosaïques aux couleurs intenses et aux formes abstraites et géométriques. À la fin du siècle dernier, cette décoration musive – ainsi que tout l’immeuble – se sont trouvés en grand danger, à cause de la fermeture du cinéma et des projets de démolition.

Mosaïque du hall du cinéma America, Rome, années 1950	Mosaïque extérieure du cinéma America, Rome, années 1950

L’histoire du cinéma America et la mobilisation des jeunes étudiants pour le sauver ont longtemps occupé les pages des journaux il y a une dizaine d’années. En 2014, Annamaria Cesarini Sforza décide d’intervenir en écrivant une lettre au ministre de la Culture de l’époque, Dario Franceschini, pour soutenir la demande de classement du bâtiment présentée par l’assesseur Caudo et Nicola Zingaretti, président de la Région du Latium. Jusqu’alors, les mosaïques du cinéma America étaient considérées comme l’œuvre d’Annamaria seule, mais pour sauver l’édifice, la mosaïste décide qu’il est temps de préciser : toute la décoration doit être comprise comme un nouveau travail à quatre mains – les siennes et celles de son mari, le sculpteur Pietro Cascella.

Le cinéma est sauvé.

Après la crise conjugale des années 1960, Annamaria Cesarini Sforza poursuit son activité, associant la technique de la mosaïque à d’autres formes d’art appliqué, comme le collage, la broderie ou la tapisserie. Une fois encore, artiste et artisane.

 

Retrato de Annamaria Cesarini Sforza, 1965-1970, Archivo fotográfico Regione Lombardia

Annamaria Cesarini Sforza tuvo una vida larga —murió en 2017 a los 96 años— y una importante carrera profesional. Sin embargo, al escribir su nombre, el motor de búsqueda la identifica como “la esposa de Pietro Cascella”, pasando por alto su trabajo como artista y mosaiquista. Ya a comienzos de los años cuarenta, Annamaria Cesarini Sforza, pese a las muchas dificultades del periodo histórico y a los obstáculos que conllevaba ser mujer, comenzó a construir su propio camino artístico. Lo hizo asistiendo a los cursos de decoración mural del maestro Ferruccio Ferrazzi en la Academia de Bellas Artes de Roma y frecuentando los talleres de autor en la Via Margutta, en particular el laboratorio de artes aplicadas de Enrico Galassi, uno de los mayores expertos en artes musivas. Era un momento difícil, en el que elegir de qué lado estar era casi una obligación: Annamaria no se echó atrás y, además del arte, eligió el camino de la Resistencia, lo que le costó arrestos e interrogatorios en el cuartel de las SS de Via Tasso. Con la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, su compromiso artístico se convirtió en un recorrido único de investigación y trabajo. Una vez más, su punto de referencia fue Enrico Galassi, quien, en diciembre de 1944, alquiló un ala de Villa Poniatowski en Roma, e instaló allí el llamado estudio de Villa Giulia, un laboratorio de arte aplicada en el que colaboraron numerosos artistas de la escena romana —desde Consagra hasta Carrà pasando por Leoncillo y De Chirico , por citar solo algunos—. Annamaria retomó la colaboración con su maestro y, con frecuencia, llevó a cabo la realización de los cuadros y cartones de otros pintores, como los de Gino Severini o Massimo Campigli.

 

Massimo Campigli, Ritratto di signora, 1947, detalle de la decoración interna del Cine Metropolitan de Roma, Colección particular

Para ella, el trabajo de mosaiquista es «un oficio sin tiempo, un oficio de piedra», y el mosaico, «una genealogía doméstica». El maestro Galassi, quien la introdujo en la técnica musivaria, le enseñó «cómo hacer correr las teselas dentro del diseño; puedes ir al encuentro del trazo con triángulos, o bien rodearlo, o puedes interrumpirte y mover las teselas de otra manera, es todo un juego […] un poco como el pincel, al fin y al cabo». Entre una instalación y otra, Annamaria empieza también a acariciar la idea de aventurarse en sus propias creaciones y composiciones, desde aquellas destinadas a las superficies de mesas hasta soluciones más “pictóricas”, como los paneles decorativos para interiores de espacios públicos. Sin establecer jamás distinciones ni jerarquías entre la ejecución artesanal y la concepción artística: «Hay una manera de expresar la propia personalidad incluso en un trabajo artesanal; se necesita intuición, de lo contrario es solo mano de obra». En 1945, Annamaria Cesarini Sforza se casa con el escultor Pietro Cascella, quien, junto con su hermano Andrea, había puesto en marcha un taller artesanal-artístico dedicado sobre todo al campo de la cerámica policromada. Como testifica Pietro Cascella en una carta de 1946 a Gio Ponti, citada por Francesca Lombardi en su volumen Passeggiate romane. Le artiste e la città, «ahora tenemos un horno para cerámica y un estudio para mosaico. Toda nuestra producción está orientada hacia una forma de artesanía con carácter artístico, pero al mismo tiempo útil». Es el inicio de una intensa colaboración afectiva y artística entre Annamaria y Pietro, jalonada de importantes proyectos.

 

Annamaria Cesarini Sforza, Pietro-Cascella (al centro) y su hermano Andrea en su atelier

El taller-atelier no se encuentra en la Roma artística, entre la Via Margutta y la Via del Corso, entre el Caffè Greco y el bar Rosati de la Piazza del Popolo: está algo más apartado (aunque a pocos pasos del Vaticano), en el barrio popular de Valle Aurelia, conocido comúnmente también como Valle dell’Inferno. Allí se alzan numerosas fábricas de ladrillos y tejas, que en otro tiempo fueron activas en la producción de materiales para la Fábrica de San Pedro y que, hasta comienzos del siglo XX, también se utilizaron para elaborar materiales de construcción destinados a las obras de la Roma capital. Durante los años cincuenta se multiplican las oportunidades de experiencia y expresión artística, casi siempre en una estrecha colaboración entre los esposos, tan entrelazada que resulta difícil distinguir con certeza las aportaciones individuales. En muchos casos se trata de obras musivas destinadas a edificios públicos, pero también a tiendas o edificios privados: en 1948, la decoración de una pared del cine Plaza en la Via del Corso y, en 1953, un mosaico para el Gran Caffè Berardo en la Galleria Colonna, ambos hoy desaparecidos. También en los años cincuenta realiza decoraciones para el vestíbulo del cine Mignon, en el barrio Salario, para el portal de un edificio en Viale Trastevere y para otro inmueble en la Piazza di Novella.

 

Annamaria Cesarini Sforza y Pietro Cascella, mosaico del vestíbulo de un edificio de viale Trastevere, Roma, años 50

En 1951 recibe el encargo de un gran mosaico para la estación Termini, una obra firmada tanto por Annamaria Cesarini Sforza como por Pietro Cascella y titulada Alegoría de la naturaleza.

Mosaic Alegoría de la naturaleza, después de 1951, Roma, estación Termini, foto de Barbara Belotti

Comienza entonces a alcanzar cierto éxito, también a nivel internacional: obras en mosaico y cerámicas de Annamaria se exhiben en la muestra Italy at Work. Her Renaissance in Design Today, organizada en 1950 inicialmente en el Museo de Brooklyn de Nueva York y posteriormente en otros museos de Estados Unidos.

Mosaico Alegoría de la Naturaleza, detalle de la firma, Roma, estación Termini, foto de Barbara Belotti

Una obra de aquella década ha vuelto a ser noticia en los últimos años: se trata de la decoración exterior e interior del cine America, inaugurado en 1956 en el barrio de Trastevere, en Roma, otro hermoso ejemplo del afortunado encuentro entre arquitectura y artes visuales, caracterizado por mosaicos de intenso cromatismo y formas abstracto-geométricas. A finales del siglo pasado, la decoración musivaria y todo el edificio se encontraron en serio peligro debido al cierre del cine y a los planes de demolición.

Mosaico en el vestíbulo del Cinema America, Roma, años 1950	Mosaico exterior del Cinema America, Roma, años 1950

Las vicisitudes del cine America y de los jóvenes estudiantes movilizados para salvarlo ocuparon durante mucho tiempo —hace ya unos diez años— las crónicas de los periódicos. En 2014, Annamaria Cesarini Sforza decide intervenir escribiendo una carta al entonces ministro de Bienes Culturales, Dario Franceschini, en apoyo a la presentación de la declaración de interés cultural para el edificio, firmada por el concejal Caudo y por Nicola Zingaretti, presidente de la Región Lacio. Hasta ese momento, los mosaicos del cine America se consideraban obra exclusiva de Annamaria, pero para salvar la estructura, la mosaiquista decide que ha llegado el momento de aclarar: toda la decoración musivaria debe entenderse como un trabajo más realizado a cuatro manos, las suyas y las del escultor Pietro Cascella, su esposo.

El cine fue salvado.

Tras la crisis matrimonial en los años sesenta, Annamaria Cesarini Sforza continuó su actividad combinando su trabajo en la técnica del mosaico con otras formas de arte aplicado, como el collage, el bordado y los tapices. Una vez más, artista-artesana.

 

Portrait of Annamaria Cesarini Sforza, 1965-1970, Lombardy Region Photographic Archives

Annamaria Cesarini Sforza had a long life - she died in 2017 at age 96 - and an important professional career. Yet when typing in her name, the search engine identifies her as "wife of Pietro Cascella," glossing over her work as an artist and mosaicist. Instead, already in the early 1940s Annamaria Cesarini Sforza, despite the many difficulties of the historical period and obstacles due to her being a woman, began to build her own artistic path. She did so by taking courses in mural decoration taught by master Ferruccio Ferrazzi at the Academy of Fine Arts in Rome and by attending the art studios on Via Margutta, especially the applied arts workshop of Enrico Galassi, one of the leading experts in mosaic arts. It was a difficult time, in which choosing sides was almost an obligation - Annamaria did not back down and, in addition to art, chose the path of the Resistance, which cost her arrests and interrogations in Via Tasso. With the post-World War II period, her artistic commitment becomes a unique path of research and work. Once again for her, the point of reference is Enrico Galassi who, in December 1944, rented a wing of Villa Poniatowski in Rome, setting up there the so-called Villa Giulia studio, an applied art workshop in which numerous artists from the Roman scene collaborated, from Consagra to Leoncillo, from De Chirico to Carrà, to name but a few. Annamaria also resumed her collaboration with the master and often put to work the paintings and cartoons of other painters, such as those of Gino Severini or Massimo Campigli.

 

Massimo Campigli, Portrait of a Lady, 1947, detail of the interior decoration of the Metropolitan Cinema in Rome, Private Collection

For her, mosaic work was "a timeless craft, a craft of stone," and mosaic "a domestic genealogy." Master Galassi, who introduced her to mosaic technique, taught her "how to make the tesserae run in the design; you can go to meet the mark with triangles, or you can go around it, or you can interrupt and move the tesserae in another way, it's all a game [...] a bit like the brush at the end." In between poses, Annamaria also began to entertain the idea of trying her hand at her own creations and compositions, from those for table tops to more "pictorial" works, such as decorative panels to be placed inside public spaces, always without posing distinctions or hierarchies between craftsmanship and artistic conception: "There is a way to express one's personality even in a craftsmanship job; it takes intuition, if not it's just labor." In 1945 Annamaria Cesarini Sforza married sculptor Pietro Cascella, who, with his brother Andrea, set up a craft-art workshop active mainly in polychrome ceramics. As Pietro Cascella testifies, in a 1946 letter to Gio Ponti reported by Francesca Lombardi in her book Passeggiate romane. Le artiste e la città, "we now have a kiln for ceramics and a studio for mosaics. All our production is oriented toward a form of craftsmanship with the character of art, but at the same time useful." This was the beginning of an intense emotional and artistic partnership between Annamaria and Pietro, studded with important interventions.

 

Annamaria Cesarini Sforza, Pietro-Cascella (center) and her brother Andrea in their atelier

The workshop-atelier was not located in artistic Rome, but between Via Margutta and Via del Corso, between Caffè Greco and Bar Rosati in Piazza del Popolo - it is somewhat decentralized (but still within walking distance of the Vatican), in the working-class neighborhood of Valle Aurelia, also commonly called Valle dell'Inferno, where there are numerous kilns, once active in the production of tiles and bricks for the Fabbrica di San Pietro, and until the early twentieth century also used to produce building materials for the construction sites of capital Rome. In the 1950s opportunities for artistic experience and expression multiplied, most often in an intertwining of activities between the spouses that is difficult to untangle to identify with certainty individual contributions. In many cases these were mosaic works for public buildings but also for stores or private mansions - in 1948 the decoration of a wall of the Plaza cinema on Via del Corso and in 1953 a mosaic for the Gran Caffè Berardo in the Galleria Colonna, both of which have been lost. Also in the 1950s, the decoration for the lobby of the Mignon cinema in the Salario district, for the hallway of a small building on Viale Trastevere and for a building in Piazza di Novella.

 

Annamaria Cesarini Sforza and Pietro Cascella, mosaic in the hallway of a building in Viale Trastevere, Rome, 1950s

The commission for a large mosaic for Termini station, a work signed by both Annamaria Cesarini Sforza and Pietro Cascella and entitled Allegory of Nature, dates from 1951.

Mosaic Allegory of Nature, after 1951, Rome, Termini Station, photo by Barbara Belotti

A certain success also began internationally. Mosaic and ceramic works by Annamaria were exhibited at the exhibition Italy at Work. Her Renaissance in Design Today organized in 1950 initially at the Brooklyn Museum in New York and later in other U.S. museums.

Mosaic Allegory of Nature, detail of the signature, Rome, Termini Station, photo by Barbara Belotti

One work from that decade returned to prominence a few years ago. It is the exterior and interior decoration of Cinema America, opened in 1956 in Rome's Trastevere district, another fine example of a happy encounter between architecture and the visual arts characterized by mosaics of intense chromaticism and abstract-geometric forms. At the end of the last century, the mosaic decoration and the entire building were in serious danger due to the cinema's decommissioning and demolition plans.

Mosaic in the lobby of the Cinema America, Rome, 1950s	Exterior mosaic of the Cinema America, Rome, 1950s

The vicissitudes of Cinema America and the young students mobilized to save it long occupied newspaper headlines a decade ago. In 2014 Annamaria Cesarini Sforza decided to intervene by writing a letter to the Minister of Cultural Heritage at the time, Dario Franceschini, in support of the presentation of the declaration of cultural interest for the building signed by Councillor Caudo and Nicola Zingaretti, President of the Lazio Region. Until then, the mosaics of the America cinema were considered to be the work of Annamaria alone, but in order to save the structure, the mosaicist decided that the time had come to clarify - all the mosaic decoration must be understood as yet another work of four hands, hers and those of her sculptor husband Pietro Cascella.

The cinema was saved.

After her marriage crisis in the 1960s, Annamaria Cesarini Sforza continued her activity, flanking her commitment to mosaic technique with other forms of applied art, such as collage, embroidery, and tapestries. Once again an artist-artisan.